Arti i epokës së Pushkinit. "Epoka Pushkin" e kulturës ruse

NJË HISTORI E SHKURTËR E LETËRSISË RUSE
LITERATURA E PERIUDHËS SË PUSHKINIT

Me lindjen e "Ruslan dhe Lyudmila", brezi i ri e njohu Pushkinin si poetin e tyre, duke admiruar lirinë e krijimtarisë që ai dukej se kundërshtonte teknikat artificiale të teoricienëve të poezisë. Pasi i bëri haraç imitimit të "sundimtarit të mendimeve" të kohës së tij, Bajronit, Pushkin në veprat e tij të mëvonshme paraqet shembuj të krijimtarisë origjinale ruse jo vetëm në formë, por edhe në përshkrimin artistik dhe të vërtetë të natyrës, ideve, ndjenjave ruse. , dhe disponimi i shoqërisë ruse.
Në "Boris Godunov" të tij kemi një shembull të paimitueshëm të dramës historike. "Poltava" shërben si shembull i një poeme historike kombëtare. Pavarësisht se si u zhvillua historia para Pushkinit, megjithatë, kjo lloj poezie mori fillimisht kuptimin e saj bashkëkohor në tregimin e Pushkinit "Vajza e kapitenit". Por romani i parë rus, Eugene Onegin, ka një rëndësi të veçantë për karakterizimin e shoqërisë bashkëkohore të Pushkinit. Në të, për herë të parë, në personin e Oneginit, u shfaq lloji i "njeriut të tepërt", i cili ka një gjenealogji të mëtejshme në letërsinë e mëvonshme ruse; në të, për herë të parë, një grua ruse mori mishërim artistik në imazhin ideal të Tatyana. Pasi e ngriti titullin poet në një lartësi deri tani të paarritshme, Pushkin në të njëjtën kohë kishte një tendencë për ta parë poezinë si "art për hir të artit". Soditja epike, e qetë e botës së jashtme ishte baza e krijimtarisë së tij poetike.
Natyra e pasionuar dhe e vrullshme e Lermontov, jo inferiore ndaj Pushkinit në fuqinë e talentit poetik, nuk mund të kënaqej me detyra të tilla krijuese. Duke qenë pasardhës i Pushkinit, Lermontov futi më shumë vetëdije në poezi, një qëndrim më kritik ndaj realitetit. Motivet shoqërore të poezisë së Lermontovit, që rrjedhin nga pakënaqësia personale e autorit me jetën ruse, pasqyruan zhgënjimin e Bajronit më thellë sesa e shohim në veprat e Pushkinit.
Ndërsa "njeriu i tepërt" i Pushkinit, Onegin, lëviz me mope në pasivitet, i pavetëdijshëm për këtë të fundit, Pechorin i Lermontov tashmë i kupton plotësisht dhe shpreh arsyet e papërshtatshmërisë së tij. Punimet e Pushkin dhe Lermontov hodhën themelet për një shkollë të re të vërtetë. Tashmë gjatë jetës së Pushkinit, shumë shkrimtarë iu bashkuan asaj, duke kapur gjithnjë e më thellë jetën e njerëzve dhe, aq më tepër, duke zgjeruar kuptimin dhe domethënien e letërsisë, duke e çuar atë në kulmin e një force të rëndësishme shoqërore. Ndërsa Griboyedov, Pushkin dhe Lermontov në poezi pasqyruan gjendjen shpirtërore të një pakice të konsiderueshme të shoqërisë - inteligjenca ruse, Koltsov dhe Gogol parashtruan në veprat e tyre ato klasa të shoqërisë ruse që deri më tani ose ishin injoruar plotësisht nga trillimet, ose shërbenin si aksesor dytësor në të. Njerëzit e thjeshtë, burokracia provinciale, fisnikëria provinciale - ky është materiali mbi të cilin funksionon krijimtaria artistike e Koltsov dhe Gogol. Nuk janë "heronjtë" individualë ata që qëndrojnë mbi turmën, por vetë turma - ky është qëllimi ku drejtohet tani vështrimi i shkrimtarëve.
Këngët e Koltsovit, vetë nga mesi i njerëzve, pasqyronin të gjitha mendimet e rënda të këtij të fundit, gjithë varfërinë, injorancën e tij, së bashku me impulset pasionante për të mirën, të vërtetën dhe dritën e dijes. Natyra e butë, e trishtuar e fshatarit rus, e mbushur plotësisht me devotshmëri fetare, qëndron e gjallë para nesh në "mendimet" e Koltsov.
Gogol ekspozoi anën e errët të jetës ruse "para syve të të gjithë njerëzve", duke e mishëruar atë në llojet e pavdekshme të "Inspektorit të Përgjithshëm" dhe "Shpirtrave të Vdekur". Veset e administratës ruse - ryshfeti, injoranca, arbitrariteti - të metat historike të fisnikërisë provinciale nuk janë tallur kurrë me aq forcë dhe të vërtetë si në këto vepra të famshme. Një tipar i shquar i letërsisë ruse është se drejtimi satirik arriti kulmin e tij në veprat e Gogolit. Tashmë në veprat e para të Gogolit ("Mbrëmjet në një fermë", "Pronarët e Tokave të Botës së Vjetër", "Taras Bulba"), plot me soditje poetike, të qetë të jetës popullore ukrainase, del ajo veçori e gjeniut poetik të Gogolit, e cila në të ardhmen e tij. vepra përbën shijen kryesore - ky "humor".
Me zhvillimin e fiksionit, u zhvillua edhe mendimi kritik. Kritika ishte e nevojshme për të kuptuar idetë e thella, mishërimi i të cilave ishin "Eugene Onegin", "Poltava", "Boris Godunov", "Inspektori i Përgjithshëm", "Shpirtrat e vdekur" dhe të tjerët themeli i kritikës romantike. Megjithatë, duke mos pasur një bazë të gjerë shkencore, ata nuk mund të përshkruanin parime të reja të kritikës në një formë mjaftueshëm të përcaktuar. Ajo që duhej ishte një këndvështrim i përgjithshëm filozofik, nga i cili mund të përcaktoheshin ligjet dhe detyrat e artit. Disa të rinj, duke qenë vazhdues të mendimit shkencor, shoqëror dhe politik të kohës së Aleksandrit, të pushtuar nga filozofia e Shellingut, formuan një rreth, detyra e të cilit ishte të zhvillonte një botëkuptim filozofik dhe ta zbatonte atë në format e jetës ruse. Figura të shquara të rrethit ishin V. Odoevsky, I. Kireevsky, Shevyrev, Nadezhdin. Duke u bazuar në qëndrimin e filozofisë së Shellingut se çdo kombësi është bartës i një ideje të caktuar, rrethi ngriti çështjen e një ideje kombëtare që Rusia duhet të zhvillojë. Nadezhdini, i cili hodhi themelet e kritikës bazuar në përgjithësime filozofike, duke mos gjetur përmbajtje ideologjike në të gjithë letërsinë romantike, përfshirë Pushkinin, e parashtroi Gogolin si një përfaqësues të vërtetë të shkollës reale. Pikëpamjet e Nadezhdinit për letërsinë ruse u miratuan

Moda dhe A.S Pushkin... Poeti ishte një socialist, shpesh vizitonte shoqërinë e lartë, shkonte në ballo dhe darka, bënte shëtitje dhe rrobat luanin një rol të rëndësishëm në jetën e tij. Në vëllimin e dytë të "Fjalorit të gjuhës së Pushkinit", botuar në 1956, mund të lexoni se fjala "modë" është përdorur 84 herë në veprat e Pushkinit! Dhe mbi të gjitha shembujt që japin autorët e fjalorit janë nga romani "Eugene Onegin". Moda në fillim të shekullit të 19-të u ndikua nga idetë e Revolucionit të Madh Francez dhe Franca diktoi modën në të gjithë Evropën... Kostumi rus i fisnikëve u formua në përputhje me modën pan-evropiane. Me vdekjen e perandorit Pali I, ndalimi i kostumit francez u shemb. Fisnikët provuan një frak, një fustanellë dhe një jelek.

Pushkin në romanin "Eugene Onegin" flet me ironi për veshjen e personazhit kryesor:

“...munda para dritës së mësuar
Këtu për të përshkruar veshjen e tij;
Sigurisht që do të ishte guxim
Përshkruani biznesin tim:
Por pantallonat, një frak, një jelek,
Të gjitha këto fjalë nuk janë në rusisht..."

Pra, çfarë lloj veshjesh mbanin zonjat dhe zotërinj në atë kohë? Dhe për këtë mund të ndihmojë revista franceze e modës "Le Petit Courrier des Dames" për vitet 1820-1833. Ilustrimet e modeleve të veshjeve nga atje japin një ide se çfarë mbanin njerëzit përreth tij gjatë kohës së Pushkinit.

Shkathtësia e krijimit të fustaneve për meshkuj dhe femra mahnit imagjinatën tonë. Si mund të bëhet një madhështi e tillë me duart tuaja, duke qenë se në atë kohë nuk kishte aq shumë pajisje teknike sa ka tani? Si mund të visheshin këto krijime të bukura rrobaqepësish të zotë, duke qenë se peshonin shumë më tepër se veshja e sotme?

Lufta e 1812 u shua, por megjithatë, më e popullarizuara në kulturë në përgjithësi, dhe në modë në veçanti, nga vitet 20 të shekullit të 19-të, ishte stili i Perandorisë. Emri i saj vjen nga fjala franceze për "perandori" dhe u frymëzua nga fitoret e Napoleonit. Ky stil bazohet në imitimin e modeleve antike. Kostumi ishte dizenjuar në të njëjtin stil me kolona, ​​bel të lartë të fustaneve të grave, një fund të drejtë dhe një korse, të cilat ndihmuan në ruajtjen më të mirë të siluetës, krijuan imazhin e një bukurie të gjatë dhe të hollë të Romës së lashtë.

“...Ulërima e muzikës, shkëlqimi i qirinjve,
Vezullim, një vorbull avujsh të shpejtë,
Bukuroshet kanë veshje të lehta.
Koret plot me njerëz,
Një gjysmërreth i madh nusesh,
Të gjitha shqisat goditen papritur..."

Veshjet e grave plotësoheshin me një sërë dekorimesh të ndryshme, sikur të kompensonin thjeshtësinë dhe modestinë e saj: fije perla, byzylykë, gjerdan, diadema, feroniera, vathë. Byzylykët mbaheshin jo vetëm në duar, por edhe në këmbë pothuajse çdo gisht i dorës ishte zbukuruar me unaza dhe unaza. Këpucët e grave, prej pëlhure, më së shpeshti saten, ishin në formë varke dhe të lidhura me shirita rreth kyçit të këmbës si sandale antike.

Nuk është rastësi që A.S. Pushkin u kushtoi kaq shumë rreshta poetikë këmbëve të grave në "Eugene Onegin":

“...Fluturojnë këmbët e zonjave bukuroshe;
Në gjurmët e tyre magjepsëse
Sytë e zjarrtë fluturojnë..."

Tualeti i grave përfshinte doreza të gjata, të cilat hiqeshin vetëm në tavolinë (dhe dorashkat - dorezat pa gishta - nuk u hoqën fare), një ventilator, një rrjetë (çantë dore e vogël) dhe një çadër të vogël që shërbente si mbrojtje nga shiu dhe dielli.

Moda e meshkujve u përshkua nga idetë e romantizmit. Figura mashkullore theksonte gjoksin e harkuar, belin e hollë dhe qëndrimin e këndshëm. Por moda iu dorëzua tendencave të kohës, kërkesave të cilësive të biznesit dhe sipërmarrjes. Për të shprehur vetitë e reja të bukurisë, kërkoheshin forma krejtësisht të ndryshme. Mëndafshi dhe kadifeja, dantella dhe bizhuteritë e shtrenjta u zhdukën nga veshja. Ato u zëvendësuan nga leshi dhe pëlhura me ngjyra të errëta dhe të lëmuara.
Paruket dhe flokët e gjatë po zhduken, moda e meshkujve po bëhet më e qëndrueshme dhe kostumi anglez po bëhet gjithnjë e më popullor. Gjatë gjithë shekullit të 19-të, moda e meshkujve u diktua kryesisht nga Anglia. Ende besohet se Londra është për modën e meshkujve siç është Parisi për modën e femrave.
Çdo burrë laik i asaj kohe mbante një frak. Në vitet 20 të shekullit të 19-të, pantallonat e shkurtra dhe çorapet me këpucë u zëvendësuan me pantallona të gjata dhe të gjera - paraardhësit e pantallonave të meshkujve. Kjo pjesë e kostumit për meshkuj i detyrohet emrin e saj personazhit të komedisë italiane Pantalone, i cili në skenë shfaqej pa ndryshim me pantallona të gjata e të gjera. Pantallonat mbaheshin me aromat që ishin bërë në modë dhe përfundonin me rripa në fund, gjë që bënte të mundur shmangien e rrudhave. Në mënyrë tipike, pantallonat dhe frakët ishin me ngjyra të ndryshme.

Pushkin shkruan për Onegin:

“...Ja ku është Onegini im i lirë;
Prerje flokësh në modën më të fundit;
Sa elegante është veshur Londra -
Dhe më në fund pa dritën.
Ai është plotësisht francez
Ai mund të shprehej dhe shkruante;
E kërceva mazurkën lehtësisht
Dhe ai u përkul rastësisht;
Çfarë doni më shumë? Drita ka vendosur
Se ai është i zgjuar dhe shumë i këndshëm”.

Letërsia dhe arti ndikuan gjithashtu në modë dhe stil. Veprat e W. Scott u bënë të famshme midis fisnikëve dhe i gjithë publiku i përfshirë në risitë letrare filloi të provonte veshjet me kuadrate dhe beretat. Duke dashur të tregojë pasionet letrare të Tatyana Larinës, Pushkin e vesh atë me një beretë të re.

Ja si duket skena në top pasi Eugene Onegin kthehet në Moskë dhe ku takohet sërish me Tatianën:

“...Zonjat iu afruan më shumë;
Gratë e moshuara i buzëqeshën asaj;
Burrat u përkulën më poshtë
Ata zunë vështrimin e syve të saj;
Vajzat kaluan pranë më të qeta
Përballë saj në sallë: dhe mbi të gjithë
Dhe ngriti hundën dhe shpatullat
Gjenerali që hyri me të.
Askush nuk mund ta bënte atë të bukur
Emri; por nga koka te këmbët
Askush nuk mund ta gjente në të
Ajo modë autokratike
Në rrethin e lartë të Londrës
Ajo quhet vulgare. (Nuk mundem...

"Me të vërtetë," mendon Evgeniy, "
A është ajo me të vërtetë? Por pikërisht... Jo...
Si! nga shkretëtira e fshatrave stepë..."
Dhe lorgnette këmbëngulëse
Ai paguan çdo minutë
Atij që pamja e tij i kujtonte në mënyrë të paqartë
Ai i ka harruar tiparet.
"Më thuaj, princ, a nuk e di
Kush është atje me beretën e kuqe?
A flet ai spanjisht me ambasadorin?"
Princi shikon Oneginin.
- Po! Ju nuk keni qenë në botë për një kohë të gjatë.
Prisni, unë do t'ju prezantoj. -
"Kush eshte ajo?" - Zhenya ime. -..."

Për burrat, veshja më e zakonshme e kokës në kohën e Pushkinit ishte kapela e sipërme. Ajo u shfaq në shekullin e 18-të dhe më vonë ndryshoi ngjyrën dhe formën më shumë se një herë. Në çerekun e dytë të shekullit të 19-të, erdhi në modë një kapelë me buzë të gjerë, bolivar, e quajtur sipas heroit të lëvizjes çlirimtare të Amerikës së Jugut, Simon Bolivar. Një kapelë e tillë nuk nënkuptonte vetëm një shami, por tregonte ndjenjat sociale liberale të pronarit të saj.Kostumi i meshkujve u kompletua me doreza, një bastun dhe një orë. Dorezat, megjithatë, mbaheshin më shpesh në duar sesa në duar, për të mos e vështirësuar heqjen e tyre. Kishte shumë situata kur kjo kërkohej. Prerja e mirë dhe materiali cilësor u vlerësuan veçanërisht në doreza.
Gjëja më në modë e shekullit të 18-të - fillimi i shekullit të 19-të ishte një kallam. Shkollat ​​ishin prej druri fleksibël, gjë që e bënte të pamundur mbështetjen në to. Ato mbaheshin në duar ose nën krah vetëm për t'u ekspozuar.

Në çerekun e dytë të shekullit të 19-të, silueta e veshjeve të grave ndryshoi përsëri. Korse është kthyer. Vija e belit ra në vendin e saj natyral dhe u përdor lidhëse. Fundi dhe mëngët u zgjeruan shumë për ta bërë belin të duket më i hollë. Figura femërore filloi të ngjante me një gotë të përmbysur. Shalle lesh kashmiri, pelerina dhe boa hidheshin mbi supe për të mbuluar dekoltenë. Shtesa - cadra me frills në verë, në dimër - muffs, çanta dore, doreza.

Kështu thotë Pushkin në "Eugene Onegin":

“...Ajo kishte veshur një korse shumë të ngushtë
Dhe rusishtja N është si N frëngjisht,
Dija si ta shqiptoja përmes hundës..."

Heronjtë e romaneve dhe tregimeve të Pushkinit ndoqën modën dhe visheshin në modë, përndryshe publiku i nderuar nuk do të kishte lexuar veprat e shkrimtarit tonë të Madh dhe do të shkruante për atë që ishte afër njerëzve. Ndërkohë moda tinzare vazhdonte e vazhdonte...

Ju mund të jeni një person i zgjuar dhe të mendoni për bukurinë e thonjve tuaj!

A.S. Pushkin

FJALOR

emrat e veshjeve dhe tualetit të përdorur në romanin "Eugene Onegin"

Bereta- mbulesë koke e butë, e lirshme. Kush është atje në beretën e mjedrës // Duke folur me ambasadorin në spanjisht?
Boa- shall i gjerë me shpatulla grash prej gëzofi ose pupla. Ai është i lumtur nëse i hedh // një Boa me gëzof mbi supe...
Bolivar- një kapele për burra me buzë shumë të gjerë, një lloj cilindri. Duke vënë një bolivar të gjerë, Onegin shkon në bulevard...
Tifoz- një ventilator i vogël me palosje me dorë, kur shpaloset ka formën e një gjysmërrethi, një aksesor i domosdoshëm për sallën e ballos për femra.
Diadem- bizhuteri koke femrash, origjinale. shamia e mbretërve, dhe më parë - priftërinjtë.
Jeleku- veshje të shkurtra burrash pa jakë dhe mëngë, mbi të cilat vishet fustanellë ose frak. Këtu ata duken se janë zogj të zgjuar // Paturpësia e tyre, jeleku i tyre...
Carrick- një pallto dimërore për burra që kishte disa (ndonjëherë deri në pesëmbëdhjetë) jakë të mëdha dekorative.
Kaftan- veshje të lashta për burra ruse të përshtatura sipas figurës me ose pa një jakë të vogël. Në gota, në një kaftan të shqyer, // Me një çorape në dorë, një kalmik me flokë gri...
Gjerdan- Dekorimi i qafës së grave me varëse në pjesën e përparme.
Korse- një rrip elastik i gjerë që mbulon bustin dhe shtrëngon belin poshtë fustanit. Ajo kishte veshur një korse shumë të ngushtë...
brez- një rrip disa metra i gjatë, në të cilin fiksoheshin sende të ndryshme. Karrocieri ulet në tra // Në një pallto lëkure delesh, në një brez të kuq...
Lorgnette- xhami optik, në kornizën e së cilës është ngjitur një dorezë, zakonisht e palosshme. Lorgneta e dyfishtë tregon anash // Në kutitë e zonjave të panjohura...
Mac- një pallto ose mushama e bërë prej pëlhure të gomuar.
Pantallona- pantallona të gjata për meshkuj me rripa pa pranga dhe palosje të hekurosura. Por pantallonat, frak, jelek, // të gjitha këto fjalë nuk janë në rusisht ...
Doreza- një rrobë që mbulon duart nga kyçi deri në fund të gishtave dhe secilin gisht veç e veç.
shami- 1. copë veshje - një copë pëlhure, zakonisht katrore ose një produkt i thurur i kësaj forme. Me shami thinjur në kokë, // Një plakë me xhaketë të gjatë të mbushur... 2. njësoj si shami. ...Ose do t'i ngrejë shaminë.
Redingote- pallto e gjatë me lëkundje për femra dhe meshkuj me një jakë të gjerë me kthesë, e fiksuar në krye me kopsa.
Retikulë- çantë e vogël femrash e punuar me dorë.
Pallto Frock- veshje të sipërme origjinale për meshkuj deri tek gjunjët, të thjeshta ose me gjoks të hapur, me jakë të ngritur ose të kthyer poshtë, në bel, me mëngë të ngushta të gjata.
Xhaketë e mbushur- xhaketë e ngrohtë pa mëngë për femra me gërvishtje në bel. Me një shall në kokën e tij gri, // Një plakë me një xhaketë të gjatë të mbushur...
Kallam- një shkop i drejtë i hollë.
Pallto lëkure delesh- një pallto leshi me buzë të gjata, zakonisht e zhveshur, jo e mbuluar me leckë. Karrocieri ulet në tra // Në një pallto lëkure delesh, në një brez të kuq...
Feronniere- një fjongo e ngushtë e veshur në ballë me një gur të çmuar në mes.
Frak- veshje për meshkuj, të prera në bel, me bisht të ngushtë të gjatë mbrapa dhe të prera në pjesën e përparme, me jakë të kthyer poshtë dhe xhaketë, shpesh të zbukuruara me kadife. Por pantallonat, frak, jelek, // Të gjitha këto fjalë nuk janë në rusisht ...
Rroba- Rrobat e shtëpisë, të mbështjella ose të kopjuara nga lart poshtë. Dhe ai hëngri dhe piu në fustanin e tij të zhveshjes ...
Cilindri- një kapele e gjatë, e fortë për burra, me buzë të vogla të forta, pjesa e sipërme e së cilës ka formën e një cilindri.
kapak- një shami gruaje që mbulon flokët dhe është e lidhur nën mjekër. Tezja Princesha Elena ka të njëjtin kapak tyli...
Shall- një shall i madh i thurur ose i thurur.
Shlafor- Rroba shtëpie, një mantel i gjerë, i gjatë, pa mbërthyes, me mbështjellës të gjerë, i lidhur me një kordon me thekë. Dhe më në fund e rinovuar // Në leshi pambuku ka një fustan dhe një kapak.

Planifikoni

mësim i hapur.

Subjekti : "Epoka e Pushkinit në romanin "Eugene Onegin".

Synimi : orë mësimore - kërkimore.

A) Ekskursion me korrespondencë në teatrin e kohës së A.S. Pushkin

(Teatri Aleksandrinsky në Shën Petersburg).

B) Ne ndjekim një shfaqje baleti, drame, opera dhe marrim informacione interesante nga jeta e artistëve, njihemi me zakonet e asaj kohe, zhytemi në epokë dhe vërejmë detaje të ndryshme historike të rëndësishme;

NË ) Shijoni muzikën, këndoni, kërceni .

G) ne jemi duke menduar për një çështje problematike.

Pajisjet : tabela e bardhë interaktive, kompjuter, disqe audio dhe video, sintetizator.

shënim : Të gjitha shfaqjet janë të ilustruara në tabelën e bardhë interaktive. (Prezantimi i bashkangjitur)

Mësimi rezulton në një lloj projekti - një vizitë në teatrin antik rus me qëllim të kultivimit të një botëkuptimi estetik. Ne e kufizojmë temën tonë vetëm për të vizituar teatrin, ne punojmë në mënyrë rigoroze sipas tekstit të Pushkin.

Gjatë orëve të mësimit .

Koha e organizimit.

Pjesa kryesore (shpallja e temës dhe qëllimit të orës së mësimit).

Fjala e mësuesit : "Ne mund të gjurmojmë epokën e Pushkinit duke analizuar çdo episod nga romani "Eugene Onegin". Për shembull, ne mund t'i ndjekim heronjtë në krahinë, në pasurinë e Larins. Mund të bëjmë një shëtitje përgjatë Nevskit me Onegin. Mund të shkojmë në top. Por vendosëm të bënim një udhëtim në Teatrin Pushkin. Le të imagjinojmë se ndoshta edhe vetë poeti është ulur diku afër dhe po shikon shfaqjen.

Ju lutemi vini re në portretin e A.S. Pushkin nga O. Kiprensky dhe në vitet e jetës së poetit - 1799-1837.

Dëgjoni regjistrimin . I. Smoktunovsky lexon një fragment nga romani, i cili përshkruan vizitën e Oneginit në teatër. Ne fokusohemi në intonacionet e aktorit dhe arrijmë në përfundimin se Pushkin e përshkruan këtë episod mjaft ironi. Kjo është shumë e çuditshme në kuptimin që teatri është një tempull arti dhe, natyrshëm, çdo person i arsimuar e trajton teatrin me shumë respekt dhe dashuri të madhe, përfshirë edhe poetët. Pse Pushkin shkruan kaq sarkastikisht për teatrin? Gjatë mësimit do të përpiqemi të gjejmë një përgjigje për këtë pyetje problematike.

Fragment nga romani:

Onegin në teatër.

XVII

Etja kërkon më shumë gota

Hidhni yndyrë të nxehtë mbi kotelet,

Por zilja e Breguet i arrin ata,

Se një balet i ri ka filluar.

Teatri është një ligjvënës i keq,

Adhurues i paqëndrueshëm

Aktoret simpatike

Qytetar Nderi i prapaskenës,

Onegin fluturoi në teatër,

Ku të gjithë, duke marrë frymë liri,

Gati për të duartrokitur entrechat,

Për të fshikulluar Fedrën, Kleopatrën,

Thirrni Moinën (në mënyrë që të

Vetëm që ata ta dëgjojnë atë).

XVIII

Tokë magjike! Atje në kohët e vjetra,

Satirat e sundimtarit trim,

Fonvizin, mik i lirisë, shkëlqeu,

Dhe Princi mbizotërues;

Atje Ozerov bën haraç të pavullnetshëm

Lotët e njerëzve, duartrokitjet

Ndahet me të renë Semyonova;

Aty u ringjall Katenina jonë

Corneille është një gjeni madhështor;

Aty doli Shakhovskoy me gjemba

Një tufë e zhurmshme e komedive të tyre,

Atje Didelot u kurorëzua me lavdi,

Atje, atje nën tendën e skenave

Ditët e mia të reja po kalonin me shpejtësi.

XIX

Perëndeshat e mia! Çfarë bëni ju? ku jeni ju?

Dëgjo zërin tim të trishtuar:

A jeni akoma i njejti? A ka vajza të tjera,

Duke ju zëvendësuar, nuk ju zëvendësuan?

A do t'i dëgjoj përsëri koret tuaja?

A do ta shoh Terpsichoren ruse

Fluturim i mbushur me shpirt?

Ose shikimi i trishtuar nuk do të gjejë

Fytyra të njohura në një skenë të mërzitshme,

Dhe, duke parë drejt dritës së huaj

Lorgnette e zhgënjyer

Një spektator indiferent i argëtimit,

Unë do të gezoj në heshtje

Dhe kujtoni të kaluarën?

Teatri tashmë është plot; kutitë shkëlqejnë;

Tezgat dhe karriget - gjithçka po zien;

Në parajsë spërkasin me padurim,

Dhe, duke u ngritur, perdja bën zhurmë.

E shkëlqyeshme, gjysmë e ajrosur,

Unë i bindem harkut magjik,

I rrethuar nga një turmë nimfash,

Vlen Istomin; ajo,

Një këmbë duke prekur dyshemenë,

Tjetri qarkullon ngadalë,

Dhe befas ai kërcen, dhe papritmas ai fluturon,

Fluturon si pupla nga buzët e Eolusit;

Ose do të mbjellë kampi, pastaj do të thyhet

Dhe me një këmbë të shpejtë godet këmbën.

XXI

Gjithçka duartroket. Hyn Onegin

Ecën midis karrigeve përgjatë këmbëve,

Llogneta e dyfishtë tregon anash

Në shtratin e zonjave të panjohura;

Shikova të gjitha nivelet,

Pashë gjithçka: fytyrat, rrobat

Ai është tmerrësisht i pakënaqur;

Me burra nga të gjitha anët

Ai u përkul dhe më pas doli në skenë.

Ai dukej në mungesë të madhe,

Ai u kthye dhe zuri gojën,

Dhe ai tha: “Është koha që të gjithë të ndryshojnë;

Kam duruar baletin për një kohë të gjatë,

Por edhe unë jam i lodhur nga Didelot.”

XXII

Më shumë cupids, djaj, gjarpërinj

Ata kërcejnë dhe bëjnë zhurmë në skenë;

Lakej ende të lodhur

Ata flenë me lesh në hyrje;

Ata nuk kanë reshtur së godituri akoma,

Fryni hundën, kolliten, shush, duartrokas;

Ende jashtë dhe brenda

Fenerët shkëlqejnë kudo;

Ende të ngrirë, kuajt luftojnë,

I mërzitur me parzmoren time

Dhe karrocierët, rreth dritave,

Ata qortojnë zotërinj dhe i rrahin në pëllëmbë të duarve, -

Dhe Onegin doli;

Ai shkon në shtëpi për t'u veshur.

Kategoria – “Fjalor i gjallë” " Nxënësi gjithashtu punoi me fjalorë shpjegues dhe fjalorë të fjalëve të vjetruara. Ajo komunikon me shokët e klasës në formën e një bisede të gjallë. Zbulohet fakti se fëmijët e kanë të vështirë t'u përgjigjen pyetjeve se çfarë janë breguet, parterre, parzmore, karrocier, entrechat, etj. Ne përfundojmë: romani duhet të lexohet duke përdorur fjalorë dhe komente, për shembull, nga Yu.M. Lotman.

Mësues: “Zanret teatrale atëherë, si dhe tani, ishin shumë të larmishme, por ne do të fokusohemi në tre kryesoret: balet, dramë dhe opera. Vini re se të gjitha këto lloje të veprimeve teatrale quhen shfaqje.

Le të kalojmë në zhanrin muzikor dhe dramatik – baletit . Studenti, Duke përdorur enciklopedinë, ai na jep informacion të shkurtër për historinë e baletit (një përshkrim i shkurtër i zhanrit).

Mësues: përshkruan shkurt biografinë e Avdotya Istominës, balerinës më të madhe të kohës së Pushkinit. (Për vitet e jetës dhe fotografitë, shihni prezantimin). Një shkëmbim i shkurtër përshtypjesh: imazhi i një balerine dyqind vjet më parë dhe sot.

Nxënëse flet për veçoritë e valles së A. Istominës.

9. Plani i të folurit :

1.Rruga e një balerine drejt famës.

2. Një tregim për veçoritë e vallëzimit të A. Istominës.

3. Këpucë Pointe.

4. Pushkin për virtuozitetin e një balerine.

5.Komentet për sllajdet.

Teksti i përgjigjes : “Fjalori i gjuhës Pushkin” tregon se Terpsichore është “muza e kërcimit në mitologjinë greke, simbol i kërcimit” dhe se në përdorimin e zakonshëm kjo fjalë do të thotë balerinë. Me "Terpsichore Ruse" Pushkin do të thotë një aktore e njohur për të. Biografi i Istominës shkruan: “Bashkëkohësit Istominën e quanin perëndeshën e vallëzimit, Terpsichore ruse. Kërcimi i saj i fluturimit shprehte tiparet më të mira të shkollës kombëtare të kërcimit”. Publiku i teatrit vlerësoi shumë baletet e Charles Didelot, koreografi i madh i kohës së Pushkinit. Dhe nuk është rastësi që në lidhje me Istomina, Pushkin përmend emrat e Terpsichore dhe Eolus. Në vitin 1808, Istomina nëntëvjeçare doli për herë të parë në skenë në baletin Zephyr dhe Flora. Së bashku me studentë të tjerë të Shkollës së Teatrit Imperial, ajo formoi një grup pikture në finalen e shfaqjes. Kur rifilloi shfaqja, Istomina kërceu pjesën e Florës dhe ky rol u bë qendror në repertorin e saj. Kritikët dhe audienca e përshëndetën atë me entuziazëm unanim pa ndryshim.

Le të kthehemi te strofaXXkapitulli nje. Vallja e Istominës përshkruhet në mënyrë shumë konkrete dhe në të njëjtën kohë përgjithësisht. Istomina ishte e famshme, veç cilësive të tjera, për madhështinë dhe mjeshtërinë e saj. Istomina kryen një kërcim dhe fluturim. Përveç fluturimit, një tipar dallues i koreografisë romantike ishte teknika e zhvilluar e gishtit. Koreografi i shquar vë në dukje lidhjen organike midis fluturimit të kërcimit, teknikës së gishtit dhe plies së butë. Kërcimi romantik karakterizohet nga një aspiratë lart, lart, drejt qiellit, larg tokës, pikërisht në këtë kërcim ka fituar dominimin.

Vallëzoni në këpucë pointe në kuptimin modern të termit, d.m.th. në majë të gishtave, është bërë një element kryesor i vallëzimit klasik të grave. Mjaft e çuditshme, kjo reformë më e rëndësishme nuk u regjistrua qartë as nga koreografët dhe as nga kritikët e teatrit.

Na duket se në fillimet e karrierës së saj, në kapërcyell të viteve 10-20, Istomina kërcente me gishtërinj të lartë, në momente frymëzimi suprem që ngrihej deri në gishtat e plotë.

Fjalët "gjysmë i ajrosur" dhe "prek" tregojnë veçanërisht një teknikë jashtëzakonisht të sofistikuar të gishtit. Ishte kjo, së bashku me fluturimin, që poeti kujtoi dhe pasqyroi në poezitë e tij.

Mendimi i Pushkinit ishte shumështresor dhe shumëdrejtues. Imazhi i Istominës në romanin e tij përthith pasion rinor me një grua të re, të bukur dhe të talentuar, respekt të palëkundur për traditën kulturore dhe dehje me përsosmërinë artistike të baletit.

10. Përfundim: baleti i kohës së A.S. Pushkin ishte thjesht madhështor!

11. Le të kalojmë te drama . Nxënësi, duke përdorur enciklopedinë, përshkruan shkurtimisht historinë e dramës.

12. Nxënëse tregon për fatin e aktores më të madhe të kohës së A.S. Pushkin, Ekaterina Semenovna Semyonova.

Plani i të folurit:

1. Origjina e E. Semyonova.

2.Mënyra e lojës.

3. Informacion nga jeta personale e aktores.

4. Pushkin për talentin e Semyonova.

5.Komentet për sllajdet.

Teksti i përgjigjes:

Ekaterina Semenovna Semyonova, e lindur një grua fshatare, lindi më 7 nëntor 1786. Me shumë mundësi, babai i saj ishte një pronar serf i rangut të lartë. Si e kaluan fëmijërinë ajo dhe motra e saj Nymphodora dhe si përfunduan në shkollën e dramës nuk dihet. E vetmja gjë e dukshme është se motrat e bukura nuk ishin aspak të ngjashme me njëra-tjetrën. "Natyra e ka pajisur atë me të gjitha mjetet me të cilat një artist mund të shkëlqejë," shkroi ai nëXIXbiografi i shekullit A.A. Yartsev. “Ajo përfaqësonte llojin e përsosur të bukurisë së lashtë greke dhe ishte ideali i bukurisë femërore për role tragjike. Profili i saj i rreptë, fisnik të kujtonte, sipas një bashkëkohësi, kameot e lashta: një hundë e drejtë, proporcionale me një gungë të lehtë, flokë kafe, sy blu të errët me qerpikë, një gojë e moderuar - e gjithë kjo së bashku kishte një efekt simpatik për të gjithë. .” Shumë poetë u mahnitën nga bukuria dhe talenti i të resë Semyonova. Midis tyre ishte edhe Konstantin Batyushkov, i cili i dërgoi linja poetike pasionante aktores. Të dashuruar marrëzisht pas saj, poeti e konsideroi atë një ideal, një "perëndeshë të bukurisë" që zbriti në tokë për një mrekulli. Sa i përket vetë aktores, ajo jetonte në një atmosferë dashurie dhe adhurimi, që i dukej normë, një nderim i natyrshëm për talentin e saj.

Aktorja u patronizua nga Princi Ivan Alekseevich Gagarin, një burrë i pasur, një njohës i arteve dhe kuajve, një shikues i teatrit dhe i rregullt në garat me kuaj. Duke qenë i ve, princi kishte katër fëmijë me aktoren, të cilës i dha mbiemrin Starodubsky. Gagarin, i mësuar të patronizonte aktoret, nuk e konsideroi të nevojshme t'i qëndronte besnik Ekaterina Semyonovna. Vërtetë, ky mbrojtës i rangut të lartë po shqetësohej vazhdimisht për të. Favorizimi i tij u pëlqeu veçanërisht nga autorët dhe përkthyesit e dramave ku luante i dashuri i tij, si dhe nga aktorët dhe regjisorët që e ndihmuan atë të mësonte role.

Në maj 1828, princi më në fund u martua me Ekaterina Semyonovna pas pesëmbëdhjetë vjet martesë. Natyrisht, kjo është bërë për hir të situatës së fëmijëve. Princi nuk e njohu fëmijën e fundit, djalin e tij, pa i dhënë as mbiemrin, as titullin. Kështu që vëllai i princeshave Gagarin mbeti përgjithmonë Starodubsky, një thjeshtr i panjohur në familjen e tij. Edhe para martesës së saj, Semyonova u largua nga teatri, duke u shfaqur herë pas here në shfaqje laike amatore. Në 1832 ajo varrosi princin. Që nga ajo kohë, jeta e Ekaterina Semyonovna u zhvillua në një rreth të ngushtë familjar dhe të njohurish të ngushtë.

Trashëgimia e madhe e Gagarinit që i shkoi Ekaterina Semyonovna shkoi dëm. Vajza e saj e madhe Nadezhda la burrin e saj për një person tjetër. Bashkëshorti i ofenduar ka nisur një proces gjyqësor duke e akuzuar për bashkëjetesë me persona të ndryshëm. Ai arriti ta burgoste gruan e tij jobesnike në një manastir. Ekaterina Semyonovna kaloi një kohë të gjatë duke kaluar nëpër autoritetet, duke u përpjekur të shpëtonte Nadenkën e saj. Të gjitha fondet dhe forcat e saj të fundit u shpenzuan për këtë.

Në shkurt të vitit 1849, aktorja e famshme, e cila jetonte në një apartament me qira, u sëmur nga ethet tifoide. Ajo u nda nga jeta në moshën gjashtëdhjetë e dy...

13. Përfundim - veprimi dramatik, pa dyshim, ishte gjithashtu i jashtëzakonshëm!

14. Studenti jep konceptin e operës.

15 . Mësues : “Kemi mundësinë të flasim për dy opera të kohës së Pushkinit. Këto janë opera e Wolfgang Amadeus Mozart Flauti Magjik dhe opera e Mikhail Glinka Një jetë për Carin. Për arsye patriotike zgjedhim natyrshëm operën e Glinkës.

16. Dëgjimi i një fragmenti nga opera (refreni).

17. Përfundim: si zhanret e mëparshme, opera ishte një spektakël mahnitës!

18. Mësuesja: Djema, pse poeti shkruan kaq ironi për teatrin nëse të gjitha zhanret më të rëndësishme teatrale ishin në maksimumin e tyre?

Përgjigje:

A.S. Pushkin për teatrin.

Transformimet më të mëdha në teatrin rus lidhen me emrin e Alexander Sergeevich Pushkin (1799-1837). Dhe megjithëse krijimtaria dramatike e poetit të madh shkon përtej tremujorit të parëXIXshekulli, duhet marrë parasysh veprimtaritë e dramaturgut Pushkin në lidhjen e tij të drejtpërdrejtë me periudhën e lëvizjes Decembrist.

Një epokë e re fillon në historinë e kulturës ruse me Pushkin. Ai vepron si një transformator i guximshëm i letërsisë ruse - në poezi, prozë, dramë dhe një transformues i vetë gjuhës ruse. Përgjithësimet e tij teorike përcaktojnë një nivel të ri të mendimit estetik rus. Pushkin bëhet pionieri i një drejtimi të ri në letërsinë dhe artin rus - realizmin.

Duke parë në art një forcë të jashtëzakonshme të aftë për të ndikuar në mentalitetin e shoqërisë, Pushkin, si në krijimtarinë e tij ashtu edhe në përgjithësimet teorike, pohon nevojën për ngopje të thellë ideologjike të veprave të artit.

Pushkin predikon me pasion idetë e teatrit origjinal dhe kundërshton imitimin e modeleve perëndimore, kundër përshtatjes së "çdo gjëje ruse me gjithçka evropiane": "A mundet tragjedia jonë, e formuar sipas shembullit të tragjedisë së Rasinovës, të largohet nga zakonet e saj aristokratike? Si mund të kalojë nga biseda e saj, e matur, e rëndësishme dhe e denjë, te çiltërsia e ashpër e pasioneve popullore, te liria e gjykimit të publikut?

Pushkin nuk e kufizon kombësinë e artit teatror në disponueshmërinë e përgjithshme të spektakleve: ai e sheh dramën si një studim të jetës së njerëzve në emër të përmirësimit të saj.

Poeti i madh e konsideronte teatrin si pjesën më të rëndësishme të kulturës kombëtare. Sipas tij, teatri nuk duhet të ekzistojë për “një rreth të vogël të kufizuar spektatorësh”, por për masat e gjera, duke u sjellë atyre ide të avancuara. Pikëpamja e tij për teatrin si një platformë do të zhvillohej më tej nga Gogol, Ostrovsky, Saltykov-Shchedrin dhe shumë shkrimtarë dhe dramaturgë të tjerë rusë.

Pushkin ishte një teatror i pasionuar, një spektator i ndjeshëm, i cili u vlerësua nga aktorët më të mirë rusë edhe në rininë e tij. Dashuria e poetit për teatrin ishte një dashuri aktive: së bashku me një grup të rinjsh dashamirës të artit skenik, ai vazhdimisht merrte pjesë në diskutimet e shfaqjeve dhe shkruante artikuj të thellë.

Poeti filloi të mendojë për teatrin gjatë viteve të liceut. Me t'u larguar nga Liceu, ai me lakmi u shtri në botën e tij magjike të prapaskenave, në sekretet e artit skenik. Ai vizitonte vazhdimisht Teatrin Bolshoi të Shën Petersburgut, repertori i gjerë i të cilit jepte ushqim për mendime. Poeti mësoi shumë gjëra të reja në mbrëmjet e Shakhovsky, ku kishte diskutime për artizanatin dhe ku dëgjonte shumë nga buzët e vetë aktorëve dhe autorëve të shfaqjeve, operave dhe baleteve.

Kjo konfirmohet nga artikulli "Vërejtjet e mia për Teatrin Rus" (1820), i destinuar për t'u lexuar në një nga mbledhjet e shoqërisë. Ai e konsideron gjënë më të vlefshme dhe më të shquar në lojën e aktorëve rusë emocionin dhe frymëzimin e vërtetë, aftësinë për të përdorur lirisht zërin, gjestin, plasticitetin dhe aftësinë për t'i nënshtruar ato në krijimin e karakterit. Ai vlerëson veçanërisht aftësinë e E. Semyonova. Kur flisni për tragjedinë ruse, ju flisni për Semyonova dhe, ndoshta, vetëm për të. E pajisur me talent, bukuri, një ndjenjë të gjallë dhe të vërtetë, ajo e formuar nga vetja. Semyonova nuk e kishte kurrë origjinalin. Luajtja është gjithmonë e lirë, gjithmonë e qartë, fisnikëria e lëvizjeve të animuara, organi është i pastër, i qetë, i këndshëm dhe shpesh impulse të frymëzimit të vërtetë, e gjithë kjo i përket asaj dhe nuk është huazuar nga askush. Ajo zbukuroi krijimet e papërsosura të Ozerovit fatkeq dhe krijoi rolin e Antigonës dhe Moinës; ajo animoi linjat e matura të Lobanovit; në gojën e saj na pëlqyen poezitë sllave të Kateninit, plot forcë dhe zjarr, por të refuzuara nga shija dhe harmonia. Semyonova nuk ka kundërshtar. Thashethemet e njëanshme dhe sakrificat momentale të sjella nga lajmi pushuan, ajo mbeti mbretëresha sovrane e skenës tragjike ... "

Në artikujt e Pushkinit mund të gjeni karakteristikat e shumë aktorëve rusë: A.S Yakovlev, Ya.G Bryansky, M.I. Istomina dhe të tjerët.

Poeti e imagjinoi artin teatror rus si shumë-zhanër. Nuk ka lënë pas dore operën dhe baletin. Pushkin tregoi vëmendje të veçantë për punën e reformatorit të skenës ruse M.S. Arti i Shchepkinit iu duk aq domethënës sa këmbënguli që përvojën e artistit të madh t'ua kalonte brezave të ardhshëm. Pushkin shkroi frazën e parë të "Shënimeve" të Shchepkin me dorën e tij.

Merita e madhe e Pushkinit për teatrin kombëtar është krijimi i dramës popullore ruse. Ai jo vetëm e vërtetoi teorikisht estetikën e realizmit, por krijoi edhe vepra dramatike bazuar në parimet e kësaj estetike.

19. Le të kujtojmë strofat , të cilat tregojnë për bujkrobërit që presin zotërinjtë e tyre në rrugë natën në dimër. Është e qartë se po flasim për robëri.

20 . Mësimi ynë po përfundon , dhe ne kemi përgatitur një surprizë. (Studentët interpretojnë këngë vajzash nga opera e P.I. Tchaikovsky "Eugene Onegin.")

21 . Dëgjimi i një fragmenti të një opere interpretuar nga kori Turetsky.

III. Duke përmbledhur.

Në letërsinë botërore ka një numër shumë të vogël veprash për të cilat mund të thuhet: duke përshkruar epokën e tyre bashkëkohore, njëkohësisht ndikojnë në të, duke krijuar përsëri historinë. "Eugene Onegin" i Pushkinit përfshihet me të drejtë midis këtyre pak veprave "të arta" të mendimit njerëzor, të cilat janë bërë jo vetëm "enciklopedia më e detajuar e jetës ruse", por edhe një lloj manifesti i përfaqësuesve të parë të ndërgjegjes së zgjuar shoqërore.

Pushkin filloi të punojë në "Eugene Onegin" në vitin 1823 në Kishinau dhe e përfundoi punën e tij në 1831, pasi kishte kaluar gjithsej 7 vjet, 4 muaj dhe 17 ditë të jetës së tij duke krijuar romanin. Një punë kaq e gjatë dhe e mundimshme për këtë vepër e ka justifikuar veten. "Eugene Onegin" u bë krijimi qendror dhe ndoshta më i shquar i Pushkinit.

Vetë Pushkin, kur konceptoi këtë vepër, ëndërroi të krijonte një tregim për fatin e heroit, i cili mund të bëhej një pasqyrim i jetës shoqërore të shoqërisë ruse. Autori arriti të realizojë planin e tij dhe "Eugene Onegin" u bë një panoramë e vërtetë e realitetit rus të shekullit të nëntëmbëdhjetë.

Asnjë anë e vetme, madje edhe më e paqarta, e jetës së shoqërisë ruse nuk i shpëton vëmendjes së autorit, ai e kthen vëmendjen fjalë për fjalë tek gjithçka, nga shoqëria më e lartë e Shën Petersburgut te robërit. Prandaj, nga nëntë kapitujt e romanit mund të mësojmë lehtësisht për jetën shoqërore të asaj kohe (teatro, topa, shoqëri letrare), dhe për traditat popullore, si tregimi i fatit të Krishtlindjeve, madje edhe se cilat balerina ishin më të famshmet. në ato vite. Autori përshkruan me detaje natyrën e vendeve ku zhvillohet romani, duke i kushtuar vëmendje ndryshimit të stinëve dhe peizazheve përreth.

Një mbulim i tillë enciklopedik i realitetit doli të ishte i mundur falë teknikës së veçantë, të re të Pushkinit në letërsi - prania e imazhit të autorit në roman. Autori-narrator shfaqet këtu në persona të ndryshëm: ai është miku i mirë i Oneginit, mbrojtësi dhe mbrojtësi i Tatianës, dhe një poet dhe një dëshmitar i ngjarjeve që ndodhin në roman. Imazhi i tij ndihmon në zgjerimin e fushës së veprës nga komploti në atë historik të përgjithshëm, duke e bërë romanin më të pasur. Për më tepër, vetëdija e heroit nuk mund të strehojë gjithë shkathtësinë e jetës, prandaj janë komentet e autorit në digresionet lirike që kryejnë një funksion të veçantë në krijimin e "enciklopedisë së jetës ruse" të famshme. Është autori që reflekton për shkrimtarët rusë, për romantizmin, sentimentalizmin dhe klasicizmin, kujton të kaluarën e tij, disa detaje biografike të bashkëkohësve të tij etj.

Digresionet lirike dhe përshkrimet e hollësishme të jetës së njerëzve e bëjnë Eugene Onegin një roman të vërtetë historik. Vetëm në vend të personaliteteve të famshme të asaj epoke, aty veprojnë njerëz mesatarë të zakonshëm, të cilët, megjithatë, meritojnë të bëhen fytyra e kohës së tyre. Kështu, përmes digresioneve lirike dhe imazheve të personazheve kryesore, tani mund të imagjinojmë me të gjitha detajet epokën e Pushkinit dhe njerëzit që jetuan atëherë.

Imazhi më i habitshëm në këtë drejtim është Eugene Onegin. Në fund të fundit, ishte përmes shembullit të tij që Pushkin tregoi "tiparet dalluese të rinisë së shekullit të nëntëmbëdhjetë": "përkushtimi i pavullnetshëm ndaj ëndrrave, çuditshmëria e paimitueshme dhe një mendje e mprehtë dhe e ftohtë". Ky imazh pasqyronte gjithashtu fatin tragjik të njerëzve më të mirë të asaj epoke - inteligjencës fisnike, roli publik i së cilës filloi të zbehet pas kryengritjes Decembrist. Shenja më e rëndësishme e frymës së kohës shfaqet në veprën dhe gjendjen shpirtërore të heroit - zhgënjimi i tij, mungesa e biznesit dhe qëllimi në jetë.

Një gjendje e tillë e shpirtit të një personi nuk ishte e pazakontë në kohën e Pushkinit. Në shumë mënyra, njerëz të tillë përcaktuan frymën e kësaj epoke, duke u bërë karakteristika kryesore e saj. Kështu, mund të nxjerrim përfundimin e mëposhtëm: kur përshkruan Oneginin, Pushkin tërheq vëmendjen te një model karakteristik për shumë prej bashkëkohësve të tij dhe tregon të gjithë epokën e tij në një imazh të vetëm.

Epoka e Pushkinit ishte një kohë interesante dhe e diskutueshme, por shkrimtari ishte në gjendje ta përshkruante atë në romanin e tij me gjithë kompleksitetin dhe shkathtësinë e tij. Prandaj, jo më kot thonë se duke përdorur "Eugene Onegin" mund të studiosh shekullin e nëntëmbëdhjetë si nga një libër historie.

Çohu, profet, shiko dhe dëgjo,
Bëhu i plotësuar me vullnetin tim,
Dhe, duke anashkaluar detet dhe tokat,
Djeg zemrat e njerëzve me foljen.
A. S. Pushkin

Dy ndjenja janë mrekullisht afër nesh -
Zemra gjen ushqim në to -
Dashuria për hirin vendas,
Dashuria për arkivolet e baballarëve.
A. S. Pushkin

"Pjetri (. - L.R.) sfidoi Rusinë, së cilës ajo iu përgjigj me një fenomen kolosal," këto fjalë të A.I Herzen nuk janë ekzagjerim. Vetëm në fillim të shekullit të 19-të. Ndryshime të mahnitshme kanë ndodhur në kulturën artistike ruse, të shkaktuara nga dialogu i vazhdueshëm midis dy traditave të fuqishme kulturore ruse. E para prej tyre, e lashtë, popullore, lindi në fund të shekullit të 10-të. në thellësi të spiritualitetit dhe i ndriçuar nga emrat e Anthony of Pechersk, Dmitry of Rostov, Serafhim of Sarov. E dyta është zyrtare, fisnike, e re, por tashmë kishte pas një përvojë të pasur të "evropianizmit rus" të shekullit të 18-të. Dialogu i tyre (por në shprehjen e D.S. Likhachev, "kombinimi i trashëgimive të ndryshme") nuk ishte i drejtpërdrejtë dhe i menjëhershëm.

Mjafton të kujtojmë se shumë fisnikë të epokës së Pushkinit, dhe vetë Aleksandër Sergeevich, nuk e njihnin as bashkëkohësin e tyre të madh, Plakun Serafim të Sarovit (1760-1833), një libër lutjesh për tokën ruse. Po flasim për diçka tjetër: nga fillimi i shekullit të 19-të. Kultura laike ruse, dhe mbi të gjitha kultura artistike, fitoi tiparet e pjekurisë. Mjeshtrit rusë mësuan të mishërojnë në imazhet artistike të gjitha ato ide dhe ideale që u ushqyen nga populli rus gjatë gjithë historisë së tyre ortodokse. Prandaj, themelet e krishtera të artit në gjysmën e parë të shekullit të 19-të. mund të gjurmohet në gjithçka: në dëshirën për të kuptuar të vërtetat e larta dhe ligjet e Ekzistencës, dhe në dëshirën për të kuptuar dhe pasqyruar në imazhet artistike vuajtjet dhe fatkeqësinë e një personi të thjeshtë, të pafavorizuar dhe në një protestë pasionante kundër gënjeshtrës, urrejtja dhe padrejtësia e kësaj bote.

Dhe gjithashtu - në dashurinë e pashmangshme për Rusinë, për hapësirat e saj të pafundme, për historinë e saj të shumëvuajtur. Dhe së fundi, në temën tingëlluese të përgjegjësisë së artistit-krijues, artistit-profetit ndaj popullit për çdo vepër të tij. Me fjalë të tjera, spiritualiteti ortodoks shekullor formoi një kod moral të pashkruar midis artistëve, kompozitorëve dhe shkrimtarëve rusë, i cili u bë udhëzuesi kryesor në kërkimin krijues të "rrugës së tyre" në artin e epokës Pushkin dhe në dekadat që e ndoqi atë. Në përfundim të kësaj preambule të shkurtër të përmbajtjes kryesore të seksionit, do të doja të krahasoja thëniet e dy bijve të mëdhenj të Rusisë. “Fitoni një shpirt paqësor”, thirri Plaku Serafim i Sarovit. "Dhe ringjall shpirtin e përulësisë, durimit, dashurisë dhe dëlirësisë në zemrën time," shkroi Pushkin pak para vdekjes së tij. Në historinë e kulturës artistike ruse, shekulli i 19-të shpesh quhet "epoka e artë", e shënuar nga zhvillimi i shkëlqyer i letërsisë dhe teatrit, muzikës dhe pikturës. Mjeshtrit e "epokës së artë" bënë një përparim të shpejtë në majat e krijimtarisë në format dhe zhanret më komplekse evropiane, si romani, opera dhe simfonia. "Evropianiteti rus" i shekullit të 18-të është bërë një gjë e së kaluarës, së bashku me fjalorin e vjetëruar bisedor dhe paruket pluhur të kohës së Katerinës. Krijuesit e artit klasicist të Iluminizmit, "mësuesit e mundur" - Derzhavin dhe Levitsky, Bazhenov dhe Bortnyansky - u zëvendësuan shpejt nga një brez i ri artistësh rusë - "dishepuj-fitimtarë". I pari prej tyre konsiderohet me të drejtë A. S. Pushkin (1799-1837).

Epoka e Pushkinit, d.m.th. tre dekadat e para të "epokës së artë" janë "fillimi i fillimeve" të arritjeve, zbulimeve dhe zbulimeve të klasikëve të mëdhenj rusë, impulsi që paracaktoi zhvillimin e mëtejshëm kulturor të Rusisë. Rezultati i kësaj lëvizjeje është ngritja e artit në nivelin e filozofisë së lartë, të mësimeve shpirtërore dhe morale. Problemet hyjnore dhe tokësore, jeta dhe vdekja, mëkati dhe pendimi, dashuria dhe dhembshuria - e gjithë kjo mori një formë artistike, duke kapur botën komplekse, të jashtëzakonshme të personit rus, i cili nuk është indiferent ndaj fatit të Atdheut. dhe po përpiqet të zgjidhë problemet më urgjente të Ekzistencës. Krijuesit e epokës Pushkin përcaktuan gjënë kryesore në klasikët rusë - mësuesin e saj, karakterin moral dhe edukativ, aftësinë e tij për të mishëruar realitetin e përditshëm, pa kundërshtuar ligjet e përjetshme të bukurisë dhe harmonisë. Gjatë epokës së Pushkinit pati dy ngjarje domethënëse për Rusinë - Lufta Patriotike e 1812 dhe kryengritja Decembrist e 1825. Këto trazira nuk kaluan pa lënë gjurmë. Ata kontribuan në maturimin në vetëdijen publike ruse të ndjenjave të protestës, ndjenjës së dinjitetit kombëtar, patriotizmit civil dhe dashurisë për lirinë, të cilat shpesh bien në konflikt me themelet shekullore të shtetit autokratik. E shkëlqyeshme në meritat e saj artistike, është bindëse komedia realiste e A. S. Griboyedov "Mjerë nga zgjuarsia", e cila kapi konfrontimin midis "një personi të shëndoshë" nga mesi i "brezit të pa fshikulluar" (A.I. Herzen) të arsimuar të fisnikëve rusë dhe fisnikërisë konservatore. dëshmi për këtë.

Në mes të polifonisë së valëzuar të ideologjive, pikëpamjeve dhe qëndrimeve, lindi dhe ndodhi një fenomen që sot e quajmë “gjeniu i Pushkinit”. Puna e Pushkinit është një simbol i artit rus për të gjitha kohërat. Poezia dhe proza ​​e tij kapën thellësisht dhe në mënyrë të shumëanshme përvojën shpirtërore kombëtare dhe vlerat morale tradicionale të popullit rus. Në të njëjtën kohë, aftësia unike e Pushkinit për të perceptuar kulturën botërore si një tërësi e vetme në hapësirë ​​dhe kohë dhe për t'iu përgjigjur jehonëve të shekujve të mëparshëm me gjithë "përgjegjshmërinë e tij mbarëbotërore" (F. M. Dostoevsky) është e dukshme. Këtu duhet të kujtojmë edhe një herë se ishte Pushkin, siç besojnë shumë studiues, ai që arriti të "kapërcejë dualitetin e kulturës ruse, të gjejë sekretin e ndërthurjes së parimeve të saj të kundërta. Sinteza e përmbajtjes thellësisht kombëtare dhe vërtetë evropiane në veprën e tij ndodh jashtëzakonisht natyrshëm. Përrallat e tij lexoheshin si në dhomat fisnike ashtu edhe në kasollet e fshatarëve. Me veprat e Pushkinit, vetëdija ruse hyri në botën e gjerë të kulturës së re evropiane.<…>"Epoka e Artë" e kulturës ruse mban një gjurmë të veçantë të stilit të Pushkinit. Kjo na lejon të caktojmë me kusht llojin e kësaj epoke kulturore si modelin "Pushkin" të kulturës ruse" 1. Ndoshta më shumë është shkruar për shkrimtarin Pushkin sesa për çdo gjeni tjetër rus 2 . Prandaj, le të vazhdojmë të shqyrtojmë fenomenet e kulturës artistike që u ngritën në thellësi të epokës Pushkin. V.F. Odoevsky thirri A.S. Pushkin "dielli i poezisë ruse".

Për të parafrazuar këto fjalë, themeluesi i shkollës klasike muzikore ruse M. I. Glinka (1804-1857) mund të quhet "dielli i muzikës ruse". Me fuqinë e gjeniut të tij, Glinka ishte i pari që solli artin muzikor të Rusisë në radhët e fenomeneve më domethënëse të kulturës botërore. Ai vendosi parimet e kombësisë dhe karakterit kombëtar në muzikën ruse, duke lidhur organikisht arritjet e artit evropian me këngën popullore ruse. Kredo artistike e kompozitorit mund të konsiderohet fjalët e tij: "...populli krijon muzikë, dhe ne, kompozitorët, vetëm e rregullojmë atë". Populli është personazhi kryesor i veprave të tij, bartësi i cilësive më të mira morale, dinjiteti dhe patriotizmi. Eksponenti i kombësisë ishte melodia melodioze e Glinkës, e sinqertë, spontane, e rritur nga shtresat e thella të folklorit muzikor rus. Çdo zë në strukturën muzikore të veprave të tij këndon në mënyrën e vet, duke iu bindur logjikës së zhvillimit të përgjithshëm. Kënga e Glinkës e bën muzikën e tij të ngjashme me këngët popullore, duke e bërë atë me ngjyra kombëtare dhe lehtësisht të dallueshme. Në të njëjtën kohë, kompozitori ishte i pashtershëm shpikës në zhvillimin variant të temave muzikore. Kjo metodë kompozicionale, e “dëgjuar” edhe nga kënga popullore ruse, bëhet “pikturë” për muzikën klasike ruse të shekullit të 19-të. Kushdo që dëgjon muzikën e Glinka nuk do të humbasë paralelen Glinka-Pushkin. Ky krahasim është i pashmangshëm: poezia e Pushkinit dëgjohet si në romancat e Glinkës ashtu edhe në operën e tij "Ruslan dhe Lyudmila". Të dy mjeshtrit ishin themeluesit dhe pionierët e "epokës së artë". Ashtu si poezia e Pushkinit, muzika e Glinkës mishëron një parim të shëndetshëm të jetës, gëzimin e të qenurit dhe një perceptim optimist të botës. Kjo lidhje farefisnore plotësohet nga ajo "përgjegjshmëri mbarëbotërore" që është njëlloj e natyrshme si te poeti ashtu edhe te kompozitori. Glinka ishte afër melodive temperamentale të Lindjes, hirit elegant të valleve polake, linjave melodike më komplekse të arieve të operës italiane dhe ritmeve të pasionuara spanjolle. Duke dëgjuar botën e kulturave të huaja muzikore, kompozitori, si një koleksionist i zellshëm, mblodhi thesare të paçmuara muzikore të kombeve të ndryshme dhe i përthyhej në punën e tij. Këto përfshijnë skena madhështore polake në operën "Një jetë për carin" dhe imazhe të "Spanja ruse" në "Overtura spanjolle" për orkestrën simfonike dhe "Lindja ruse" në operën "Ruslan dhe Lyudmila". Vendi qendror në trashëgiminë e Glinkës i përket operës. Kompozitori hodhi themelet për dy zhanre kryesore të operës në muzikën klasike ruse - opera-dramë dhe opera-përrallë epike. Glinka e quajti operën e tij "Një jetë për Carin" (1836) "heroiko-tragjike kombëtare".

Vepra, e bazuar në ngjarje reale të historisë ruse në fillim të shekullit të 17-të, i kushtohet një teme thellësisht patriotike: vdes plaku i fshatit Ivan Susanin, me koston e jetës së tij duke shpëtuar familjen mbretërore nga masakra e pushtuesve polakë. . Për herë të parë në muzikën ruse, personazhi kryesor i një kompozimi operistik është njerëzit e thjeshtë - bartës të cilësive të larta shpirtërore, mirësisë dhe drejtësisë. Në skenat masive popullore që kornizojnë operën, bie në sy hyrja (nga latinishtja introductio - hyrje) dhe epilogu, ku Glinka kompozoi himnet madhështore të Rusisë. Kori i famshëm "Glory", të cilin kompozitori e quajti "himn marshimi", tingëllon fitimtar dhe solemnisht në finalen e operës. Glinka e pajisi personazhin kryesor tragjik të operës, fshatarin Ivan Susanin, me tiparet e vërteta të një fermeri rus - një baba, një njeri familjar dhe një mjeshtër. Në të njëjtën kohë, imazhi i heroit nuk e ka humbur madhështinë e tij. Sipas kompozitorit, Susanin tërheq forcën shpirtërore për vepra vetëmohuese nga burimi i besimit ortodoks, nga themelet morale të jetës ruse. Prandaj, pjesa e tij përmban tema të marra nga skenat popullore. Le të theksojmë: Glinka pothuajse nuk përdor këngë të mirëfillta popullore në opera: ai krijon meloditë e tij që janë afër intonacionit me fjalimin muzikor popullor.

Sidoqoftë, për paraqitjen e parë në skenë të Ivan Susanin, kompozitori megjithatë mori një melodi të vërtetë popullore - një melodi të regjistruar nga një shofer taksie Luga (në vërejtjen e operës Susanin: "Pse hamendësoni për martesën"). Nuk është rastësi që armiqtë e kompozitorit, pas premierës së suksesshme të operës, e quajtën atë "opera e karrocierit". Por A.S. Pushkin iu përgjigj krijimit të Glinkës me një improvizim madhështor: Duke dëgjuar këtë risi, zili, errësuar nga zemërimi, Lëreni të bluajë, por nuk mund ta shkelë Glinkën në pisllëk. Një tjetër kulm në veprën e M. I. Glinka është opera "Ruslan dhe Lyudmila" (1842) bazuar në poezinë rinore të A. S. Pushkin. Kompozitori shpresonte që vetë Pushkin të shkruante libretin, por vdekja e parakohshme e poetit shkatërroi këtë plan të bukur. Pa ndryshuar skicën e tekstit të Pushkinit, Glinka bëri disa rregullime në të: ai hoqi prekjen e ironisë dhe lojërave dhe i pajisi personazhet kryesore - Ruslan dhe Lyudmila - me karaktere të thella dhe të forta.

Disa ndryshime lidhen edhe me specifikat e zhanrit të operës. Kështu, për shembull, nëse në Pushkin festa princërore në Kiev përfshin të shtatëmbëdhjetë vargjet e poezisë, atëherë në Glinka kjo festë shndërrohet në një skenë muzikore madhështore, të harlisur dhe madhështore. "Ruslan dhe Lyudmila" është një operë epike, që do të thotë se konflikti në të zbulohet jo përmes një përplasjeje të drejtpërdrejtë të forcave kundërshtare, por në bazë të një shpalosjeje të qetë të ngjarjeve, të kapur në foto të përfunduara që kanë logjikë të rreptë. Hyrja dhe finalja që kornizojnë operën shfaqen si afreske madhështore të jetës së lashtë sllave. Midis tyre, kompozitori vendosi akte magjike të kundërta që përshkruanin aventurat e heronjve në mbretërinë e Naina dhe Chernomor. "Ruslan dhe Lyudmila" ndërthur tiparet e një epike, një përrallë dhe një poeme lirike, kështu që linjat heroike, lirike dhe fantastike mund të dallohen në muzikën e operës. Linja heroike hapet me këngët e Bayan në prezantimin e një vepre muzikore dhe vazhdon në zhvillimin e imazhit të luftëtarit fisnik Ruslan. Linja lirike është imazhe dashurie dhe besnikërie. Ajo përfaqësohet në ariet e Lyudmila, Ruslan dhe në baladën e Finn. Personazhet e lehta të operës janë në kontrast me "fantazinë e keqe" - fuqitë e magjisë, magjisë dhe ekzotizmit oriental.

Në skenat fantastike, kompozitori përdori mjete shumëngjyrëshe, me tinguj të pazakontë të ekspresivitetit orkestral dhe tema autentike popullore që gjenden në rajone të ndryshme të Kaukazit dhe Lindjes së Mesme. Antiheronjtë e operës nuk kanë karakteristika vokale të zhvilluara, dhe Chernomori i keq është një personazh plotësisht i heshtur. Kompozitori nuk i privoi nga humori shpirtrat e këqij magjik të Pushkinit. I famshëm "Marshi i Chernomorit" përcjell tiparet e një xhuxhi të frikshëm, por qesharak, bota e përrallave të të cilit është iluzore dhe jetëshkurtër. Trashëgimia simfonike e Glinkës është e vogël në shtrirje. Ndër kryeveprat orkestrale të Glinkës janë "Fantazia e Valsit", "Kamarinskaya", "Jota aragoneze", "Kujtimi i një nate vere në Madrid", muzika e së cilës përmban parimet kryesore të simfonizmit klasik rus. Një fushë e veçantë e punës së kompozitorit është "Romancat Pushkin": "Unë jam këtu, Inesilya", "Night Zephyr", "Zjarri i dëshirës digjet në gjak", "Më kujtohet një moment i mrekullueshëm" dhe shumë Pushkin të tjerë. linjat gjetën një mishërim çuditërisht të ndjeshëm dhe shprehës në tingujt magjikë Glinka. Procesi i kombinimit organik të dy traditave kulturore - të thella kombëtare dhe pan-evropiane - u pasqyrua qartë në artin e bukur. Fshati rus, jeta e fshatarëve dhe banorëve të zakonshëm të qytetit - këto janë imazhet e pikturave të mjeshtrave të shquar të epokës Pushkin A.G. Venetsianov dhe V.A. Veprat e A.G. Venetsianov (1780-1847) mbajnë gjurmë të ideve klasiciste për idealet e larta të bukurisë harmonike. Kur, me vendim të perandorit Aleksandër I, u hap një ekspozitë e artistëve rusë në Pallatin e Dimrit, pikturat e Venetsianov zunë krenari në të. Kjo nuk është rastësi. Një mjeshtër i shquar, Venetsianov konsiderohet me të drejtë themeluesi i një zhanri të ri premtues të përditshëm në pikturën ruse. Djali i një tregtari nga Moska, A.G. Venetsianov në rininë e tij punoi si hartues dhe topograf, derisa kuptoi se thirrja e tij e vërtetë ishte piktura.

Pasi u zhvendos nga Moska në Shën Petersburg, ai filloi të merrte mësime nga piktori i famshëm i portreteve V.L. Borovikovsky dhe shpejt u vendos si autor i portreteve ceremoniale klasiciste. Kthesa në fatin e tij krijues ndodhi papritur. Në 1812, artisti fitoi një pasuri të vogël në provincën Tver, ku u vendos. Jeta fshatare e mahniti dhe e frymëzoi mjeshtrin për tema dhe tema krejtësisht të reja. Fshatarët që qërojnë panxharin, skenat e lërimit dhe korrjes, bërjes së barit, një bari që fle pranë një peme - e gjithë kjo shfaqet në kanavacat e artistit si një botë e veçantë poetike, pa asnjë kontradiktë dhe konflikt. Në pikturat "të qeta" të A. G. Venetsianov nuk ka zhvillim të komplotit. Veprat e tij janë frymëzuar nga një gjendje e begatisë së përjetshme dhe harmonisë mes njeriut dhe natyrës. Bukuria e prekjes, e krijuar me mjeshtëri nga artisti thekson gjithmonë bujarinë shpirtërore, dinjitetin, fisnikërinë e një fermeri të thjeshtë, i lidhur përgjithmonë me tokën e tij të lindjes, me traditat dhe themelet e tij të lashta ("Bariu i Fjetur", 1823 - 1824; " Në tokën e punueshme, 1820 .;

Po aq e qetë dhe harmonike është bota e brendshme e personazheve në pikturat e V.A. Trolinin (1776-1857), një mjeshtër i shquar i portreteve në Moskë. Tropinin arriti famën, suksesin dhe titullin akademik falë talentit të tij të madh dhe aftësisë për të ndjekur thirrjen e jetës së tij, pavarësisht pengesave të përgatitura nga fati. Një rob, Tropinin shërbeu si këmbësor për zotërinjtë e tij pothuajse deri në pleqëri, dhe lirinë e mori vetëm në moshën dyzet e pesë vjeç nën presionin e publikut, duke qenë tashmë një artist i famshëm. Gjëja kryesore që arriti të arrinte mjeshtri ishte vendosja e parimeve të tij artistike, ku kryesorja ishte e vërteta e mjedisit dhe e vërteta e karakterit. Heronjtë e pikturave të Tropinin ndjehen të lehtë dhe të qetë. Shpesh të zhytur në punën e tyre të zakonshme, duket se nuk e vërejnë vëmendjen e madhe që u kushtohet. Shumë "Dantelbërës", "Robaqepëse të Artë", "Kitaristë" tregojnë se Tropinin, ashtu si Venetsianov, i idealizoi disi modelet e tij, duke nxjerrë në pah shkëndija të bukurisë dhe mirësisë së arsyeshme në jetën e përditshme. Ndër veprat e artistit, një vend të veçantë zënë imazhet e njerëzve të artit, pa ndonjë pompozitet ceremonial, duke tërhequr me përmbajtjen e tyre të pasur të brendshme. Këto janë portretet e A.S. Pushkin (1827), K.P Bryullov (1836), një autoportret në sfondin e një dritareje me pamje nga Kremlini (1844), "Kitarist" (portret i muzikantit V.I. Morkov, 1823). Edhe gjatë jetës së A.S. Pushkin, fjalët "Karli i Madh", të shqiptuara nga një prej bashkëkohësve të tij, mund të nënkuptojnë vetëm një gjë - emrin e artistit të shkëlqyer K.P.

Asnjë nga mjeshtrit rusë nuk kishte një famë të tillë në atë kohë. Dukej se gjithçka i erdhi shumë lehtë Bryullov. Sidoqoftë, pas furçës së lehtë fshihej puna çnjerëzore dhe një kërkim i vazhdueshëm për shtigje të pashkelura në art. Shikoni më nga afër "Autoportretin" e famshëm (1848). Para nesh është një njeri i jashtëzakonshëm, i sigurt në vetvete dhe profesionalizmin e tij, por në të njëjtën kohë jashtëzakonisht i lodhur nga barra e famës. Veprat e K. P. Bryullov mahnitën audiencën me shkëlqimin e temperamentit të tyre, ndjenjën e formës dhe dinamikën e ngjyrave të pasura. I diplomuar në Akademinë e Arteve, Bryullov tashmë në pikturat e tij të para e deklaroi veten si një mjeshtër i pavarur, i huaj për akademikizmin e mbyllur. Ai i njihte mirë kanonet e klasicizmit, por, sipas nevojës, i kapërceu lirisht, duke i mbushur imazhet artistike me një ndjenjë realiteti të gjallë.

Në 1821, për pikturën "Shfaqja e tre engjëjve te Abrahami në lisin e Mamre", Bryullov iu dha Medalja e Vogël e Artë e Akademisë së Arteve. Sidoqoftë, udhëheqja e Akademisë i mohoi papritmas masterit një pension për të udhëtuar jashtë vendit (me sa duket, arsyeja e refuzimit ishte një konflikt midis të riut grindavec dhe dikujt nga stafi i lartë mësimor). Vetëm Shoqata për Nxitjen e Artistëve ndau para për një udhëtim pune jashtë vendit. Por Bryullov shpejt mësoi të fitonte jetesën e tij. Qëllimi i udhëtimit të tij ishte tradicional - Italia. Rruga drejt saj shtrihej përmes Gjermanisë dhe Austrisë, ku Bryullov në një kohë të shkurtër fitoi një emër evropian si mjeshtër i portretit. Urdhrat u derdhën fjalë për fjalë nga të gjitha anët.

Në të njëjtën kohë, artisti ishte jashtëzakonisht kërkues ndaj vetes dhe kurrë nuk punonte vetëm për para. Ai nuk i mbaroi të gjitha kanavacat deri në përfundim, ndonjëherë duke braktisur një kanavacë që nuk i pëlqente më. Ngjyrat e pasura të natyrës italiane zgjuan dëshirën e Bryullov për të krijuar kanavacë "me diell". Vepra të tilla madhështore si "Mëngjesi italian" (1823), "Vajza që mbledh rrush në afërsi të Napolit" (1827), "Pasditja italiane" (1827) janë të mbushura me një humor admirimi për bukuritë e botës. Artisti punoi me frymëzim dhe shpejt, megjithëse ndonjëherë i ushqente idetë e tij për një kohë të gjatë. Kështu, në vitin 1827, ai vizitoi për herë të parë rrënojat e Pompeit, një qytet afër Napolit që u shkatërrua nga shpërthimi i Vezuvit në vitin 79. Fotografia e tragjedisë goditi imagjinatën e artistit. Por vetëm disa vjet më vonë, në 1830, ai mori pikturën "Dita e fundit e Pompeit", duke e përfunduar atë tre vjet më vonë. Dy sfera figurative bashkohen në foto. E para është një element i frikshëm përtej kontrollit të njeriut, një ndëshkim fatal për mëkatet e tij (kujtoni se, sipas legjendës, Pompei dhe Herculaneum u ndëshkuan nga Zoti si qytete të shthurjes, si një vend argëtimi seksual për romakët e pasur)1. E dyta është një imazh i njerëzimit, sakrificës, vuajtjes dhe dashurisë. Ndër heronjtë e kanavacës, veçohen ata që shpëtojnë atë që është më e çmuar për ta në këto momente të tmerrshme - fëmijët, babai, nusja. Në sfond, Bryullov e përshkroi veten me një kuti bojë.

Ky personazh është plot vëmendje ndaj tragjedisë që shpaloset, sikur po përgatitet ta kapë atë në kanavacë. Prania e artistit i thotë audiencës: kjo nuk është një pjellë e imagjinatës, por një dëshmi historike e një dëshmitari okular. Në Rusi, piktura "Dita e fundit e Pompeit" u njoh zyrtarisht si vepra më e mirë e pikturës së shekullit të 19-të. Artistit iu vendos një kurorë dafine me një ovacion entuziast dhe poeti E. A. Baratynsky iu përgjigj triumfit të mjeshtrit me poezi: Dhe u bë "Dita e fundit e Pompeit" Dita e parë për furçën ruse. Trupat dhe fytyrat e bukura njerëzore kanë tërhequr gjithmonë K. P. Bryullov, dhe shumë nga heronjtë e tij janë jashtëzakonisht të bukur. Në vitet e fundit të qëndrimit në Itali, ai shkroi të famshmen “Kalorës” (1832). Në kanavacë është një zonjë madhështore, me shkathtësinë e një Amazone, duke hipur mbi një kalë të nxehtë. Njëfarë konvencionale e paraqitjes së bukuroshes lakmuese kapërcehet nga gjallëria e vajzës që vrapoi drejt saj (motrat Paccini, vajzat e kompozitorit italian, të cilat u rritën në shtëpinë e konteshës pa fëmijë Yu.P. Samoilova , pozoi për mjeshtrin).

Jo më pak i bukur është portreti i vetë Yu.P Samoilova me nxënësen e saj Amazilia Paccini (rreth 1839). Ka një ndjenjë admirimi për bukurinë e modeles së veshur me një fustan luksoz të zbukuruar. Pra, letërsia, muzika, piktura e epokës Pushkin, me gjithë larminë e imazheve të tyre, flasin për një gjë - për vetë-identifikimin e fuqishëm të kulturës ruse, për dëshirën për të vendosur idealet shpirtërore dhe morale kombëtare ruse në "evropiane". fushë”. Në ato vite, një justifikim filozofik për "idenë ruse" nuk ishte gjetur ende, por tashmë ishin shfaqur tradita artistike që zhvillonin idenë e vlerave të shtetësisë ruse, rëndësinë e fitoreve ushtarake ruse, në hije. nga flamujt e besimit ortodoks.

Pra, në vitin 1815, mbi kreshtën e gëzimit popullor për fitoren ndaj Napoleonit, poeti V.A. himni anglez. Në 1833, kompozitori A.F. Lvov (në emër të A.H. Benckendorff) krijoi një melodi të re, e cila lejoi që "Lutja e Rusëve" të miratohej si himni ushtarak dhe zyrtar i Rusisë. Por, ndoshta, arkitektura mishëroi idealet e kohës heroike dhe rriti më qartë vetëdijen ruse. Imazhet e arkitekturës së dekadave të para të shekullit të 19-të. mahnitin me shkëlqimin, shtrirjen dhe patosin e tyre mbretëror. Asnjëherë më parë ndërtimi i Shën Petersburgut dhe i Moskës, si dhe i shumë qyteteve provinciale, nuk ka marrë një shkallë kaq madhështore. Arritjet e arkitekturës, ndryshe nga artet e tjera, shoqërohen me një fazë të re në zhvillimin e klasicizmit, e cila quhet stili i Perandorisë "i lartë" ose "rus". Klasicizmi i shekullit të 19-të nuk ishte një "përsëritje e së kaluarës", ai zbuloi shumë ide arkitekturore origjinale, novatore që plotësonin nevojat e bashkëkohësve të tij. Dhe megjithëse stili i Perandorisë erdhi në Rusi nga Evropa, mund të argumentohet se ishte vetëm në tokën ruse që mori zhvillimin e saj më të mrekullueshëm.

Duke gjykuar nga numri i kryeveprave të këtij stili, Shën Petersburgu mund të konsiderohet fare mirë një lloj koleksioni muzeor i klasicizmit arkitekturor të shekullit të 19-të. Tipari kryesor i stilit të Perandorisë Ruse është sinteza organike e arkitekturës, skulpturës dhe arteve dekorative. Kuptimi estetik i detyrave të ndërtimit ndryshoi gjithashtu: tani çdo ndërtesë e qytetit nuk ishte e mbyllur në vetvete, por ishte e integruar në ndërtesat fqinje kompozicionalisht dhe logjikisht, me llogaritjen e saktë të krijimit të "bukurisë prej guri". Ndërtesa përcaktoi pamjen e sheshit, dhe sheshi përcaktoi pamjen e ndërtesave të qytetit aty pranë: një zinxhir i tillë lindi në projektet e fillimit të shekullit të 19-të. Kështu formohen ansamblet e shesheve kryesore të Shën Petersburgut - Dvortsovaya, Admiralteyskaya, Senati. Moska, e cila u dëmtua rëndë nga zjarri i 1812, nuk është shumë prapa në përditësimin e pamjes së saj: zona përreth Kremlinit po zhvillohet, Sheshi i Kuq po rindërtohet, Sheshi Teatralnaya po shtrohet, sheshe të reja po shfaqen në kryqëzim. të rrugëve unazore dhe radiale, po restaurohen shtëpitë e vjetra, po ndërtohen pallate të reja, zyra qeveritare dhe qendra tregtare.

Themeluesi i klasicizmit të lartë rus ishte A. N. Voronikhin (1759-1814). Puna kryesore e jetës së tij ishte ndërtimi i Katedrales Kazan në Shën Petersburg (1801-1811). Një konkurs për projektimin e kësaj strukture u shpall gjatë sundimit të Palit I. Dihet se perandori donte të ndërtonte në Rusi një tempull të ngjashëm me Katedralen Romake të Shën Pjetrit, por Voronikhin propozoi një zgjidhje tjetër. Dhe ai fitoi konkursin! Arkitekti e konceptoi katedralen si një pallat me një kolonadë të madhe që mbulonte "trupin" e vetë tempullit. Kolonada formoi një shesh gjysmërrethor në Nevsky Prospekt, rruga kryesore e Shën Petersburgut. Ai përbëhet nga 94 kolona të rendit korintik, rreth 13 metra të larta, që "rrjedhin" drejtpërdrejt në qytet (nga rruga, kjo është e vetmja ngjashmëri me Katedralen e Shën Pjetrit, dakord me Palin I). Pavarësisht vëllimeve të tij të mëdha, faltorja e Kazanit duket pa peshë. Përshtypja e butësisë, e lirë, sikur hapësira e hapur ruhet edhe kur hyn brenda. Fatkeqësisht, pikturat dhe dekorimi luksoz skulpturor i krijuar nën Voronikhin nuk na kanë arritur plotësisht. Katedralja Kazan menjëherë zuri një vend të veçantë në jetën publike të Rusisë. Pikërisht këtu, në sheshin e katedrales, njerëzit i thanë lamtumirën M. I. Kutuzov, i cili po nisej për në ushtri për të luftuar Napoleonin. Pikërisht këtu, në katedrale, do të varroset fushmarshalli, dhe A.S. Pushkin, pasi vizitoi varrin, do t'i kushtojë komandantit vargjet e famshme: Unë qëndroj me kokën ulur para varrit të shenjtorit.

Gjithçka fle përreth; vetëm llambat në errësirën e tempullit i praruar shtyllat e granitit dhe rreshtin e tyre të varur të banderolave.<…>Kënaqësia jeton në arkivolin tuaj! Ai na jep një zë rus; Ai na tregon për atë kohë, kur zëri i vullnetit të popullit thërriste flokët tuaj të thinjur të shenjtë: "Shko, shpëto!" U ngritët dhe shpëtuat... Dhe sot në murin pranë varrit të shenjtë varen çelësat e qyteteve armike të pushtuara nga ushtria ruse në luftën e vitit 1812. Më vonë u ngritën monumente për M.I Kutuzov dhe M.B e Sheshit Kazan - kështu Rusia përjetësoi kujtimin e heronjve të saj. A. N. Voronikhin nuk mund t'i shihte më të gjitha këto - ai vdiq në shkurt 1814, kur trupat tona po i afroheshin ende Parisit. "Qëndroni me një këmbë të fortë buzë detit..." - kështu formuloi me saktësi A. S. Pushkin ëndrrën e Pjetrit të Madh, babait themelues të kryeqytetit verior. Ky plan filloi të zbatohej gjatë jetës së perandorit. Por ajo u realizua në tërësi vetëm në shekullin e 19-të. Kanë kaluar njëqind vjet, dhe qyteti i ri i vendeve të plota, bukuria dhe mrekullia, Nga errësira e pyjeve, nga kënetat e kroniizmit, u ngjit madhështor, krenar.<…>Përgjatë brigjeve të ngarkuara të Komunitetit, grumbullohen pallate dhe kulla të holla; anijet në turma nga e gjithë bota nxitojnë drejt kalatave të pasura; Neva është e veshur me granit; Urat vareshin mbi ujëra; Ishujt ishin të mbuluar me kopshtet e saj të gjelbërta të errëta... Pushkin, si gjithmonë, ishte shumë i saktë në përshkrimin e qytetit të ri, evropian në dukje, por rus në thelb.

Baza e paraqitjes së Shën Petersburgut u përcaktua nga lumi - kapriçioz, duke sjellë shumë telashe gjatë përmbytjeve, por me rrjedhje të plotë, i arritshëm për kalimin e anijeve të çdo madhësie. Gjatë periudhës së lundrimit nga koha e Pjetrit, porti ishte vendosur në skajin lindor të ishullit Vasilyevsky përballë ndërtesës së famshme të Dymbëdhjetë Kolegjeve. Këtu ndodhej edhe Bursa, e papërfunduar në shekullin e 18-të. Arkitektit të talentuar zviceran Thomas de Thomon (1760-1813) iu besua ndërtimi i ndërtesës së Bursës së re (1805-1810). Shkëmbimi ishte vendosur në hell të ishullit Vasilievsky, i larë në anët nga dy kanale të Neva. Arkitekti ndryshoi tërësisht pamjen e këtij vendi, duke e kthyer në një pikë të rëndësishme në ansamblin e qendrës së Shën Petersburgut. Përballë fasadës kryesore të Bursës, u formua një shesh gjysmërrethor, duke lejuar që dikush të admirojë përbërjen e qartë, kompakte të ndërtesës me forma gjeometrike jashtëzakonisht të thjeshta dhe të fuqishme. Shtëpitë në të djathtë dhe në të majtë të Bursës u ndërtuan pas vdekjes së arkitektit nga ndjekësit e tij. Po aq e rëndësishme për formimin e pamjes së përfunduar të qendrës së Shën Petersburgut ishte ndërtimi i Admiralty (1806–1823) sipas projektit të arkitektit rus A.D. Zakharov (1761–1811). Le të kujtojmë se ideja kryesore e kësaj strukture i përkiste Peter I.

Në 1727-1738 ndërtesa u rindërtua nga I.K Korobov. Vepra e A.D. Zakharov u bë pika më e lartë në zhvillimin e klasicizmit të vonë. Admiralti shfaqet si një monument për lavdinë e kryeqytetit rus, si simboli i tij dhe në të njëjtën kohë si pjesa më e rëndësishme e qytetit. Ndërtimi filloi me rinovimin e ndërtesës së vjetër, por më pas Zakharov shkoi shumë përtej detyrës origjinale dhe krijoi një përbërje të re, duke ruajtur majën e famshme të Korobov. Fasada kryesore e Admiralty shtrihej përgjatë sheshit që rezulton, dhe fasadat anësore të një konfigurimi të përgjithshëm në formë U doli të drejtoheshin drejt Neva. Zakharov besonte: Admiralty ka nevojë për dekorim skulpturor që korrespondon me imazhin. Prandaj, ai vetë hartoi një plan të detajuar për vendndodhjen e skulpturave, i cili më vonë u zbatua nga mjeshtra të shquar rusë - F.F. Përzgjedhja e subjekteve për skulpturat u përcaktua nga funksioni i ndërtesës - departamenti kryesor detar i Rusisë së atëhershme. Këtu janë hyjnitë që kontrollojnë elementët e ujit, dhe simbolikën e lumenjve dhe oqeaneve, dhe skena historike mbi temat e ndërtimit të flotës dhe bëmat e marinarëve rusë. Ndër dekorimet skulpturore më ekspresive është friza e llaçit1 "Themelimi i flotës në Rusi", krijuar nga mjeshtri I.I.

Kështu, Admiralty u bë një haraç për kujtimin e bëmave të Pjetrit të Madh, i cili e bëri Rusinë një fuqi të fuqishme detare. Në dekadat e para të shekullit XIX. përparësi në arkitekturë u jepet ndërtesave me karakter publik ose utilitar. Teatrot dhe ministritë, departamentet dhe kazermat e regjimentit, dyqanet dhe oborret e kuajve - e gjithë kjo ndërtohet relativisht shpejt, me cilësi të lartë dhe në traditat më të mira të klasicizmit të lartë rus. Duhet të kihet parasysh se shumë ndërtesa me qëllime në dukje praktike fituan simbolikën e monumenteve që lavdërojnë Rusinë (si Admiralty).

Fitorja në Luftën Patriotike të 1812 ngjalli në shoqëri një ndjenjë patriotizmi, krenarie kombëtare dhe dëshirën për të përjetësuar veprën e armëve të ushtarëve rusë. Kampusi Martius me famë botërore dikur ishte një moçal. Më pas, në kohën e Pjetrit të Madh, ajo u tha dhe u ndërtua një pallat për Perandoreshën Katerina I. Livadhi Tsaritsyn, siç filluan të quheshin këto toka dikur të rrënuara, u kthye në një vend argëtimi të preferuar për banorët e Shën Petersburgut: ata kishin argëtohu këtu dhe nisi fishekzjarrë, kështu që me kalimin e kohës livadhit iu mbiquajtur Fusha Argëtuese.

Pas luftës me Napoleonin, sheshi u riemërua Champ de Mars (Marsi është perëndia e luftës). Tani këtu u mbajtën parada dhe rishikime ushtarake, dhe fusha u shoqërua me lavdinë ushtarake. Në 1816, kazermat për regjimentin Pavlovsk filluan të ndërtohen në Fushën e Marsit. Regjimenti elitar i Rojeve të Jetës Pavlovsk ishte një legjendë e gjallë, mishërim i guximit dhe trimërisë. Prandaj, duhej të krijohej diçka e denjë, solide dhe e jashtëzakonshme për grenadierët e Pavlovsk. Puna u krye sipas projektimit të një arkitekti vendas V.P. Stasov (1769-1848), të cilit kryeqyteti verior i detyrohet shumë krijime të bukura arkitekturore. Kazermat e Pavlovsk janë një ndërtesë e rreptë, solemne dhe disi e ashpër, e cila çuditërisht korrespondon me saktësi me qëllimin e tyre. "Madhështia e përmbajtur" kështu e vlerësoi vetë Stasov imazhin e kazermës.

Mjeshtri e ruan këtë stil në veprat e tjera të tij. Ngjitur me Campus Martius është një tjetër strukturë e rëndësishme, e rindërtuar nga Stasov - Stallat Perandorake (1817-1823). Arkitekti e ktheu një ndërtesë qindravjeçare të pashprehur në një vepër të vërtetë arti, duke e bërë atë qendrën e një sheshi të organizuar rreth tij. Ky vend ka një rëndësi të veçantë për ne: në kishën e portës në sheshin Konyushennaya më 1 shkurt 1837, u mbajt shërbimi i varrimit për A.S. Një zonë e veçantë e krijimtarisë së P. Stasov janë kishat dhe katedralet regjimentale. Arkitekti ndërtoi dy katedrale të mrekullueshme në Shën Petersburg për regjimentet Preobrazhensky dhe Izmailovsky. Kisha e regjimentit në emër të Trinisë së Shenjtë (1827-1835) u ngrit në vendin e një kishe prej druri me të njëjtin emër, e cila ishte rrënuar. Kur i ofruan Stasov zhvillimin e projektit, klientët përcaktuan në mënyrë specifike kushtet: tempulli i ri duhet të strehojë të paktën 3000 njerëz dhe të ketë saktësisht të njëjtin rregullim të kupolave ​​si në kishën e vjetër. Kushti u plotësua dhe tempulli madhështor i bardhë borë u ngrit mbi kryeqytet me kupolat e tij blu të lehta, mbi të cilat shkëlqenin yjet e artë. Nga rruga, kështu u dekoruan tempujt në Rusinë e Lashtë dhe Stasov e njihte mirë vendin e tij të lindjes. Katedralja Spaso-Preobrazhensky (1827-1829) gjithashtu nuk u krijua nga e para: gjatë ndërtimit të saj, arkitekti duhej të përdorte ndërtimin e

nga mesi i shekullit të 18-të, i cili u dëmtua rëndë nga zjarri. Përfundimi i punimeve ndërtimore përkoi me fitoren në Luftën Ruso-Turke (1828-1829). Në kujtim të kësaj ngjarjeje, V.P. Stasov ndërtoi një gardh të pazakontë rreth tempullit, i përbërë nga topa të kapur turk. Në përvjetorin e pesëmbëdhjetë të Betejës së Borodinos, ceremonia e vendosjes së Portës së Triumfit u zhvillua në postin e Moskës - fillimi i udhëtimit nga Shën Petersburg në kryeqytetin e vjetër. Dizajni i strukturës triumfale i përkiste Stasov dhe u konceptua si një monument i lavdisë ushtarake ruse. Porta përbëhet nga dymbëdhjetë kolona të rendit dorik, pesëmbëdhjetë metra të larta. Mbi kolonat qëndron një tablo e rëndë1. Mbi çiftet e kolonave të jashtme janë tetë kompozime bakri: forca të blinduara të ndërthurura, shtiza, helmeta, shpata, parulla, që simbolizojnë bëmat dhe triumfin e armëve ruse. Përbërja prej gize u kurorëzua me mbishkrimin: "Trupave fitimtare ruse", më pas u renditën bëmat e kryera në 1826-1831. I pari ndër të barabartët në arkitekturën ruse të viteve 1810 dhe 1820. K. I. Rossi (1775-1849) konsiderohet me të drejtë. Në një epokë kur Rusia u frymëzua nga triumfi i fitoreve të saj, Rossi zhvilloi parimet e planifikimit urban madhështor të ansamblit, i cili u bë model për mjeshtra të tjerë. Dhe ishte në këtë kohë që Rossi realizoi të gjitha planet e tij të shkëlqyera krijuese.

Mjeshtri mendoi jashtë kutisë dhe në një shkallë të gjerë. Pasi mori një porosi për një projekt pallati apo teatri, ai zgjeroi menjëherë fushën e ndërtimit, duke krijuar sheshe, sheshe dhe rrugë të reja rreth ndërtesës që po ngrihej. Dhe çdo herë ai gjente mënyra të veçanta për të ndërlidhur në mënyrë harmonike zhvillimin me pamjen e përgjithshme të zonës. Për shembull, gjatë ndërtimit të Pallatit Mikhailovsky (tani Muzeu Shtetëror Rus), u vendos një shesh i ri dhe prej tij u ndërtua një rrugë, duke lidhur pallatin me Nevsky Prospekt. Ishte Rossi ai që i dha një pamje të përfunduar Sheshit të Pallatit duke ndërtuar IT në 1819-1829. godina e Shtabit të Përgjithshëm dhe ministritë dhe hedhja e një harku të gjerë mes dy godinave. Si rezultat, forma e parregullt e Sheshit të Pallatit, e trashëguar nga shekulli i 18-të, nga pikëpamja e klasicizmit të lartë, fitoi një karakter të rregullt, të hollë dhe simetrik. Në qendër të të gjithë përbërjes është një hark triumfal, në krye me gjashtë kuaj me luftëtarë dhe një karrocë lavdie.

Një nga krijimet më të bukura të K.I Rossi është Teatri i Aleksandrisë (1816-1834). Në lidhje me ndërtimin e saj, pamja e ndërtesave aty pranë ndryshoi përtej njohjes. Rossi organizoi sheshin dhe gdhendi rrugë të reja, duke përfshirë rrugën e famshme me ndërtesa simetrike që tani mban emrin e tij. Arkitekti kishte një karakter të fortë dhe një aftësi të jashtëzakonshme për të mbrojtur idetë e tij, të cilat i mendonte deri në detajet më të vogla. Dihet se ai mbikëqyri të gjitha punët për dekorimin e ndërtesave, ai vetë bëri dizajne për mobilje dhe letër-muri dhe monitoroi nga afër punën e skulptorëve dhe piktorëve. Kjo është arsyeja pse ansamblet e tij janë unike jo vetëm nga pikëpamja e kompozimit arkitektonik, por edhe si një fenomen i shquar i sintezës së arteve të klasicizmit të lartë. Krijimet e fundit të arkitektit janë të ngjashme me pallatet e Sinodit dhe Senatit (1829-1834), të cilat përfunduan ansamblin e Sheshit të Senatit, ku ndodhet i famshëm "Kalorësi i bronztë" nga E. M. Falcone.

Ekziston një krijim tjetër në trashëgiminë ruse që nuk lidhet drejtpërdrejt me arkitekturën, por ka një rëndësi të madhe historike, shpirtërore dhe morale. Kjo është Galeria Ushtarake, kushtuar kujtimit të heronjve të Luftës Patriotike, e cila dekoron një nga ambientet e brendshme të Pallatit të Dimrit. Galeria përmban 332 portrete të udhëheqësve të shquar ushtarakë rusë. A.S. Pushkin ka shkruar: Cari rus ka një dhomë në pallatin e tij: Nuk është e pasur me ar, jo në kadife;<…>Në një turmë, artisti vendosi këtu krerët e forcave tona kombëtare, të mbuluar me lavdinë e fushatës së mrekullueshme dhe kujtimin e përjetshëm të vitit të dymbëdhjetë. Moska, me nxitim për të rinovuar pamjen e saj pas zjarrit të 1812, adoptoi ide të reja të klasicizmit të lartë, por në të njëjtën kohë ruajti shumë forma tradicionale.

Kombinimi i të resë me të vjetër i jep arkitekturës së Moskës një veçanti të veçantë. Ndër arkitektët që kryen rindërtimin e kryeqytetit antik, spikat emri i O.I. Ishte ai që u përpoq për herë të parë të lidhë ndërtesat mesjetare të Sheshit të Kuq me një strukturë të re - Rreshtat Tregtare (1815, më vonë e çmontuar). Kupola e ulët e rreshtave të tregtisë doli të ishte drejtpërdrejt përballë kupolës së Senatit Kozak, e dukshme nga prapa murit të Kremlinit. Në këtë aks që rezulton, u ngrit një monument për Minin dhe Pozharsky, heronjtë e vitit 1612, me shpinë në rreshta, i bërë nga skulptori I.P. Martos (1754-1835). Krijimi më i famshëm i Bove është Porta Triumfale, e vendosur në hyrje të Moskës nga Shën Petersburg (1827-1834; tani e zhvendosur në Kutuzovsky Prospekt). Harku monumental me gjashtë kuaj i bën jehonë imazheve të arkitekturës së Shën Petersburgut dhe plotëson panoramën e monumenteve madhështore të arkitekturës ruse që lavdëruan Rusinë dhe ushtrinë e saj fitimtare.

Artikulli i mëparshëm: Sa është shpejtësia e dritës Artikulli vijues: Lëkundjet harmonike Formula e fizikës së frekuencës së lëkundjeve