Nincs szomorúbb történet a világon, mint Rómeó és Júlia története. Válogatás Shakespeare Rómeó és Júlia című tragédiájából

Élt egyszer Szentpétervár kulturális városában, nem nagyon messze az Udelnaja metróállomástól, egy gyönyörű, gyönyörű lány. Egyszerűen irreálisan szép. Ilyen szép emberekkel még nem találkoztam. Ez a terület, bár nem volt a város széle, nem nevezhető kellemesnek - csak Hruscsov és Brezsnyev épületek. A lány kétemeletes háza pedig e nyomorult dobozok között volt, mint egy gyűrött szemetes a bejáratnál – kicsi, kopott, rozoga, fürdő és forró víz nélkül. Csak az anyjával élt, apjára nem emlékezett. Anya szegény volt, és takarítóként dolgozott abban az iskolában, ahol a lány tanult. Nagyon szerette egyetlen lányát, és igyekezett rajta tartani a szemét az iskolában, nehogy rossz társaságba keveredjen. A lány persze néha haragudott az anyjára emiatt. Nos, egy kicsit szégyellte magát.
A lány felnőtt, betöltötte a 13. életévét és összebarátkozott a fiúval. Csak barátok lenni, nagyon fenséges és romantikus. A fiú nem volt rossz, kedves, és nem volt apja sem. De volt egy anya, és egy olyan, hogy jobb lett volna, ha nem létezik. Heroint árult közvetlenül a lakásából. Nem félt semmitől, még a gimnazistáknak is ellátta a doppingszert az iskolájukból, majd fia osztálytársait is. De nem adta oda neki. De nem kérdezte - jó volt, szerette a lányt. Így hát egy egész évig vele sétált, elbújva az anyja elől.
De a lány anyja megtudta ezt a barátságot, és nem hagyta jóvá. Elkezdtem kottákat olvasni a lányomnak, hogy megtanítsam az elméjét. Valóban le lehet beszélni valakit az első szerelemről? De nem tudtam övvel fenekére ütni a szeretett gyermekemet, és úgy tűnt, nincs is más. És egy nap a szíve nem bírta elviselni, és úgy döntött, hogy elmegy a fiú anyjához, és szívből beszél. Szóról szóra erősen összevesztek, még a hajukat is szorongatták. A takarítónő megtiltotta lányának, hogy találkozzon a fiúval, több napra bezárta otthonába, hogy ne csináljon hülyeséget. És a fiú anyja is megtette a tőle telhető legjobbat - sárral dobálta meg kedvesét, hazudta, hogy szánalomból sétál vele, és ő maga egy gazdag férjről álmodik.
A fiú persze nem hitte el, és hazaszaladt a lányhoz. De nem várják meg ott, nem nyitják ki az ajtót, hanem visszaküldik, nem engedik, hogy beszéljen a lánnyal. De ő maga nem jön ki. Egy napig, egy hétig nem láttuk egymást... A fiú úgy döntött, megmutatja kedvesének, hogy ő sem másodosztályú. Elkezdtem sétálni az udvaron a barátjával. Meg is csókoltam mindenki előtt. A kedvese árulásáról szóló pletyka gyorsan eljutott a lányhoz, és nem csak hogy eljutott hozzá, de olyan új részletekkel is tele volt, hogy a lány meg akart halni a kétségbeeséstől. De a barátaim mást tanácsoltak: menj el egy diszkóba, találkozz egy idősebb sráccal, és hozd ki az udvarra. Hadd tudja meg a fiú.

A lány addig nem járt diszkóba és nem ivott bort. De bátorságból kiszolgáltatta magát a barátainak, és elment velük táncolni. . Jó móka volt a diszkóban. Mindenki, csak nem ő. A macskák megvakarták a lelküket. Egyáltalán nem volt kedvem táncolni. Így hát a falhoz húzódott, amíg össze nem futott egy másik fiúval. Pár évvel idősebb volt nála, de nem is táncolt, és nem szocializált barátokkal. Addig álltak ott, amíg el nem döntötte, hogy elmegy. És amint elment, követte. Utolérte, és kezet nyújtott. És együtt mentek egymás mellett.
Továbbra is a közelben sétált, és elhallgatott. Zavarban volt, hogy először megszólaljon, de a kíváncsiság úrrá lett rajta, és megkérdezte, miért hallgat.
Kiderült, hogy süket és néma. Soha nem tudta meg, mit csinált a diszkóban. De sajnálta a srácot. Ő pedig, bár némának tűnt, a csábító szerepében jobban játszott, mint bármelyik beszéd... Valahogy úgy alakult, hogy nő lett.
Hazarohant, és nem mondott semmit az anyjának, de kiöntötte a babot a barátjának – nem tudta mindezt magában tartani. Igen, és ijesztő, mi van, ha megtörténik. Ki tud jobb tanácsot adni, mint egy hűséges barát. És még egy napig sem tartotta be a száját. Így ez a hír eljutott Rómeójához az egész udvaron.
Rosszul érezte magát, nagyon rosszul. Olyan rossz volt, hogy nem ettem, nem ittam, nem mentem iskolába. Otthon ültem és sírtam. Le akartam ugrani a negyedik emeletről, hadd tudja meg... De anyám lebeszélt. És hogy teljesen megnyugodjak, adott egy gyógymódot. Csak egyszer adta... És akkor ő maga tudta, hol kapja meg. Az udvarukban akkoriban több fiatal drogos volt, mint átlagos tinédzser. És még ezek sem látszanak – otthon bújtak el. Szóval, ha nem hagytad el az udvart, úgy tűnt, az egész világ így él. Él és nem szomorkodik. És mi a rosszabb vele, fiú?
A gyógymód segített, segített elfelejteni kedvesem árulásait és romantikus kapcsolataimat. Beadta magát, és elment kibékülni vele. És amint kibékült, rögtön odavitte a lépcsőn az előkertbe, majd mesélt neki a heroinról.
Sötétedésig egymást ölelve ültek a betonlépcsőkön, és vigasztalhatatlanul sírtak.
Másnap pedig a lány ahelyett, hogy iskolába ment volna, az anyjához ment, és vett magának egy adagot. Kiment néhány drogos udvarába, akit ismert, és gyorsan megtanították neki, mit és hogyan kell csinálni. Amikor a fiú elhagyta a második leckét, hogy megkeresse kedvesét, már késő volt. Újra összejöttek és újra sírtak. De a megfelelő orvosság gyorsan feloldotta bánatukat, és a fiú anyjának volt még két kliense.

A lány akkor töltötte be a 15. életévét, amikor a környező udvarokban már nem volt egyetlen srác sem, aki ne adott volna neki egy adagot a testéért cserébe. Nagyon szép volt, nem kellett ügyfeleket keresnie, ők maguk vitték a betöltött gombos harmonikákat... Neki és a fiának.
Aztán otthagyta az iskolát, éjszaka kiment az utcára, és a járdák királynője lett. Az autók sorban álltak, és várták, hogy szabaddá váljon. Reggel pedig 10-15 ügyfél után hazatért, és könnyfoltos édesanyja melegvizet melegített neki a tűzhelyen, hogy lemoshassa magát az éjszaka szégyenéről és a kéjes zsíros tenyerekről.
Pénzt kaptunk a házban, vettünk egy új gázbojlert és TV-t. De nem volt több boldogság és nem volt több szerelem sem - Rómeó megőrült, és meghalt az anyja búvóhelyéről elvitt heroin túladagolásában, amikor kórházba került...

Ezt a „lányt” már 18 évesen ismertem meg. Nyugodtan állt a járda szélén, nem rejtette el az arcát, mintha buszra vagy fuvarra várna. Annyira gyönyörű volt (szerencsére a sűrű forgalom lassú mozgása sok időt adott ennek igazolására), hogy megállítottam előtte az autót, nem is sejtve, mit fogok ezután csinálni, és persze azt sem, hogy ő „dolgozott”.

Nem akarsz egy kicsit szórakozni? Csak 150 újra...
Életemben először hallottam ezeket a szavakat, és az agyam felrobbant a világ tökéletlenségének felismerésétől.

Te….??? – motyogtam, és kétségbeesetten próbáltam egy összefüggő és logikus képbe összerakni ezt az összeférhetetlen rejtvényt a fejemben.

Miért van erre szükséged? Lehet még ma szeretett barátod, férjed, szeretőd, bármit csak a szíved óhajt – pénzzel vagy pénz nélkül. A szépségednél ez nem kérdés... Talán csak nem tudod, milyen hatalmas és gyönyörű ez a világ? ... Gyerünk, mutatok valami sokkal jobbat, mint ez a köpött megálló!

Elvittem egy jachthoz (vagy inkább egy jachthoz). Egy pillanatot sem vesztegetve a pusztító szenvedélyre, kimentünk a Finn-öbölbe, és átadtuk magunkat a tengeri elemek hatalmának. Békés hullámok csöndesen fröccsentek az oldalra. A fedélzeten állt, és meglepetten nézte vagy a távoli kék felületet, amely a bíbor naplemente előtti napot tükrözte, vagy a tengeri bárányokat közvetlenül a lába alatt. Hosszú arany haját sodorta a szél, álmodozó mosolya és gyönyörködő szemei ​​új benyomások okozta érzelmek viharáról árulkodtak. Abban a pillanatban számomra ő tűnt a legtökéletesebb teremtménynek ezen a bolygón.

Feladhatod ezért a mesterségedet? Örökre!
- Nem tudom... Nem... úgy értem, igen... De nem most... Sürgősen vissza kell mennem, pénzre van szükségem.
- Minek?
- Egy adagért!

Így tudtam meg, hogy drogfüggő. Számomra ez volt a legnagyobb tabu az összes tabu közül. Hazavittem, és otthagytam a pénzt, ami elég lett volna egy hónapig szelíden élni.
"Álom. A földöntúli szépség földi megtestesülése… 150 re – a sors keserű mosolya.” - Ez nem illett bele a világról alkotott képembe. Nem akartam enni, dolgozni, nem tudtam aludni. Rá kellett jönnöm erre, hogy ne kelljen aggódnom miatta egész életemben. És néhány nap múlva visszatértem. Megérkeztem a házához, és miközben megtudtam a lakásszámot, véletlenül találkoztam az anyjával. Aztán könnyes szemmel mesélte el ezt a szomorú történetet. És az összes hiányzó pontot később maga a hősnő is felfedte.

Hamarosan megismerkedtem ezzel az emberrel. Teljesen szerelmes volt belé. Mindenét eladta, amije volt, és rávette, hogy menjen vele külföldre kezelésre. sok sikert kívántam nekik...

A repülőtéren a vámosok kábítószert és fecskendőt találtak a csomagjaikban.....

Legközelebb és utoljára öt-hat évvel ezek után az események után láttam. Az Engels utcán haladtam, és körülbelül száz méterre az első találkozásunk helyétől láttam egy nőt szavazni. Nem tökéletes a látásom, nem hagyom cserben a választókat, de valami megint abbahagyott. Az autó ajtaját egy magas nő nyitotta ki, gyönyörű, de éles vonásokkal, amit élénk rúzs és kontrasztos árnyékok hangsúlyoztak a vastag sminkrétegen. A kinyújtott kéz a ruha hosszú ujja ellenére egy tapasztalt drogost árult el.

– Dolgozom – mondta hirtelen, és a szemébe néztem. Ezek voltak a nőstény farkas kemény, hideg, üres és rettenetes szemei.

Akaratlanul is hátrahúzódtam és becsaptam az ajtót.
Csak amikor megnyomtam a gázpedált, akkor jöttem rá, hogy Ő az...

Pár tíz méter után élesen benyomtam a féket, megálltam és pár másodpercig lebegtem. Az agyam könnyen legyőzte az érzelmeimet, és siettem, hogy vegye le a lábam a pedálról, mielőtt ismét az autóhoz közeledett....
Hiszen ez csak a kezdet, mindenkinek más, de a vége mindig ugyanaz... Ne ítélkezz az elesettek felett. Ha nem voltál a helyükben, talán csak szerencséd van...

P.S. Nem terveztem, hogy itt publikálok, de talán ez a szomorú történet megolvaszthatja a „Cápák...” rajongók kemény szívét, és eloszlathatja a verbális csaták köreit ebben a... nyugodt vízben? ... És mi a fenét, talán ez lesz az, amelyik őszinte személyes történetek sorozatát indítja el új szerzőktől az örökletes „csak olvasók” közül. Végül is mindegyikünknek (közöttetek) volt valami hasonló az életében.

William Shakespeare leghíresebb darabja, a Rómeó és Júlia a következő sorokkal ér véget:
Mert soha nem volt több jaj történet
Mint ez Júliáról és Rómeójáról

Borisz Paszternak
De Rómeó és Júlia története
Marad a legszomorúbb a világon

Dmitrij Mihalovszkij
Júlia és a fiatal Rómeó vele...
Mi lehet szomorúbb a sorsuknál?

Ekaterina Savich
Nincs és nem is lesz szomorúbb dallam,
Mint a Júliáról és Rómeóról szóló dal

Hosea Soroka
Hiszen a múlt a legszomorúbb a világon
Ez Rómeó és Júliáról szól

Apollón Grigorjev
A legszomorúbb dolgot még soha a világon nem hallották
Rómeó és Júlia meséi

Nyikolaj Grekov
Nincs szomorúbb történet a világon,
Mint Rómeó és Júlia története

Tatiana Shchepkina-Kupernik
De nincs szomorúbb történet a világon,

Mint Rómeó és Júlia története

Ezt az opciót folyamatosan használják és játsszák ki a cikkek címsoraiban, viccekben, a Yandex akkor is kiadja, ha más fordításokat ír be (ma kétszer játszottam! - A.V.). Azokon az oldalakon, ahol a tragédia orosz szövegeit kínálják, ezek a sorok epigráfként használhatók, bár az ott közzétett fordítások egyike sem tartalmaz ilyen szavakat.
Könnyen észrevehető, hogy Grekov és Shchepkina-Kupernik fordításai állnak a legközelebb a tárgyalt változathoz. Nagyon közel, de még mindig nem ugyanaz. Különböző szórend, egy vagy másik szó. Mindjárt azt mondom, hogy felesleges más szerzőktől keresni ezt a pontos fordítást.
Miszticizmus? Sehol nincs szöveg, de Minden tudják és megismétlik.
Szóval honnan jött ez a lehetőség? És miért olyan híres?

1968-ban Franco Zeffirelli leforgatta Shakespeare Rómeó és Júlia című tragédiáját. 1972-ben a filmet szinkronizálták és bemutatták a Szovjetunióban. A szinkronszöveget több fordításból állították össze, különösen Boris Pasternak és Tatyana Shchepkina-Kupernik szövegeit használták fel. Egyes esetekben ezeket a fordításokat is szerkesztették. Például a Pasternaktól vett bevezetőben a „vezetők gyermekei” helyébe „azoknak a családoknak a gyermekei” lépnek. A szövegalkotás során többek között az volt a feladat, hogy az orosz szöveghez és a színészek ajkának mozgásához igazodjanak.
Ebben a duplikált szövegben vannak a következő sorok:

Nincs szomorúbb történet a világon,
Mint Rómeó és Júlia története.

A filmet egy közvélemény-kutatás szerint 1972 legjobb külföldi filmjeként ismerték el. Tekintettel arra, hogy ezek a szavak az utolsók a filmben, és a temetés feszült légkörében hangzanak el a szerzőtől, bevésődnek az emlékezetbe. Ráadásul többen néznek irodalmi alkotásokon alapuló filmeket, mint ahányan olvasnak.

Az álmok és a költészet birodalmában, ahol a tündék uralkodnak, ahol minden a szépség törvényeinek engedelmeskedik, az éjszakai rögeszmék a reggeli sugarakkal szertefoszlanak, és a szerelmesek számára minden jó véget ér. De vajon ez a szerelmesek sorsa a való életben, ahol sötét előítéletek és gonosz szenvedélyek állnak az érzelmek megélése útjában? Nincs szomorúbb történet a világon, mint Rómeó és Júlia története. Shakespeare első tragédiája a nagy emberi érzés tragédiája, amely egy embertelen világgal ütközik. Régi feudális viszályok, két család ellenségeskedése, vérbosszú - a múlt kísértetei fegyvert fogtak az élő szerelem ellen, fal lett egy fiú és egy lány között, akik egymásért törekednek, „nem tudnak egymás nélkül élni. Meg fognak halni, de nem válnak el egymástól. És együtt halnak meg. Szerelmük a halálban győzedelmeskedik. De a szerelemnek győznie kell az életben! Shakespeare ezt kéri.

Rómeó és Júlia halála elgondolkodtat apáikról, Verona uralkodóiról és mindazokról, akik túlélték. Nem ideje véget vetni a vad viszályoknak és az ókor káros előítéleteinek? A tragédia cselekménye nem új. Még az ókori római író, Ovidius „Metamorfózisok” című könyvében is volt egy történet Pyramusról és Thisbéről, egy ősi legenda 4 két szerelmesről, akiket családjuk ellenségeskedése választ el, és akiket a halál egyesít. A 15. században Olaszországban egy novellát írtak erről a témáról; Angliában még Shakespeare előtt volt egy vers és dráma Rómeó és Júlia szerelméről. Shakespeare frissítette és újraalkotta a régi dráma szövegét. A hősök életre keltek, az ókori legenda alakjai a reneszánsz kor embereivé változtak. Verona utcái zajosak lettek, és megteltek emberekkel. A nap sütött felettük.

Megragadóan igaz hangok hallatszottak a fiatal Júlia csengő hangjában. Rómeó megjelenése mélyebb és költőibb lett. Új szereplők, gondolatok és siennák jelentek meg a drámában. Mercutio sziporkázó tréfái hangzani kezdtek. Shakespeare „Rómeó és Júlia” tragédiája, amelyet 1595-ben egy nyilvános londoni színház színpadán mutattak be, halhatatlanná vált.

(Még nincs értékelés)

Nincs szomorúbb történet a világon, mint Rómeó és Júlia története

További esszék a témában:

1. Sokan, akik olvasták Shakespeare talán leghíresebb tragédiáját, meg vannak győződve arról, hogy cselekménye valós eseményeken alapul: olyan fényes és színes...
2. Puskin figyelme a „Rómeó és Júlia” tragédiára abban is megmutatkozott, hogy az almanachban nagy feljegyzést tett közzé róla...
3. Angol drámaíró, költő, világhírű szonetteket készítő (1593-1600), drámai művek: „Rómeó és Júlia” (1594), „Hamlet” (1601), „Othello” (1604), „Király...
4. Ismeretes, hogy Shakespeare a Mercutio nevet a számára megbízható forrásokból vette át, ami ösztönzésül szolgált a születőben lévő darabba való bevezetéshez....
5. Több mint egy évszázad telt el William Shakespeare „Rómeó és Júlia” című tragédiájának megalkotása óta, de a nézők még most is izgatottan nézik...
6. Több mint egy évszázad telt el W. Shakespeare „Rómeó és Júlia” című tragédiájának megalkotása óta, de egészen addig a közönség aggódik, nézi...
7. Már senki sem csodálkozik azon, hogy a gazdag országokban az irodalmi hősök emlékművei állnak. Dániában van Andersen kis hableánya, Hollandiában...
8. Az emberi érzések... Akár kicsik, akár magasak, ezek irányítják az embert és tetteit. Az érzések adnak lelki nyereséget az embernek, gazdagítják...
9. A tragédia egy hét öt napját öleli fel, amelyek során végzetes események sorozata játszódik le. Az első felvonás a szolgák közötti verekedéssel kezdődik...
10. Shakespeare-nek abban a kiváltságában volt, hogy figyelemre méltó időket élhetett. Az emberi történelem egy nagy korszakának, a reneszánsznak nevezett kortársa volt. Hosszú volt...
11. Angol drámaíró, énekel, aki világszerte szonetteket készített (1593-1600), drámai műveket: „Rómeó és Júlia” (1594), „Hamlet” (1601), „Othello” (1604), „Király...
12. William Shakespeare 1564 áprilisában született egy kézműves családjában, aki bőrfeldolgozással és kesztyűkészítéssel foglalkozott. Shakespeare apja, John férjhez ment...
13. Shakespeare olyan hősöket és hősnőket hozott létre, akiket a szellemileg gazdag élő személyiség vonásaival ruháztak fel. Ugyanakkor megmutatta hőseinek karaktereit a...
14. A csatában elesett Terkin megjelenik a következő világban. Tiszta, úgy néz ki, mint egy metró. A parancsnok megparancsolja Terkinnek, hogy regisztráljon. Könyvelő asztal, íróasztal...
15. Az irodalom szekularizációs folyamata különösen a 17. század második felében vált szembetűnővé, amikor megjelentek az orosz demokratikus szatíra első példái, és a...
16. Az „Ez a világ útja” az utolsó négy vígjáték közül, amelyet William Congreve, a restauráció korszakának angol drámaíróinak galaxisának leghíresebb tagja írt....
17. A közönynél nincs szörnyűbb a világon. Mit ér a nyilvános pozíciója, ha azt mondja: „Nem érdekel?” Szóval nem érdekel...
A „Kutyaszív” számos témát nyit meg, amelyek az író későbbi műveiben is megtestesülnek - evolúció és forradalom, a környezet megértésének vágya...

2/18. oldal

És mesterséges éjszakát hoz létre.
Rómeó sötét kétségbeesése
Olyan csüggedést fog hozni,
Ha senki nem menti meg tanáccsal,
Nem szünteti meg melankóliájának okát.

Benvolio
Ismered őt, kedves nagybátyám?

Montagues
Nem tudom és nem is tudom kideríteni
Magától Rómeótól.

Benvolio
Próbáltad már
Állandóan kérdőjelezi őt?

Montagues
Kérdeztem magamtól és barátain keresztül:
De érzéseiben itt önmaga tanácsadója;
Jó-e – nem mondom
De csak ő olyan titkos, elérhetetlen,
Mint egy vese, ahol már ül egy féreg,
Amikor még nem bontakozott ki
Gyönyörű szirmok levegőjében
És szépségét nem a napnak szentelte.
Mikor tudnánk, hogy miért?
Szomorú, ha meg tudnánk menteni.

Rómeó megjelenik a távolban.

Benvolio
Ah, itt van. Menj innen; - megpróbálja
Ismerje meg szomorúságát, de nem garantálhatom.

Montagues
Ó, bárcsak elérhetnéd – mint ő
Megidézve benne! Menjünk, menjünk, feleségem.

(Montague és felesége távozik.)

Benvolio
Unokatestvérem, jó reggelt!

Rómeó
Túl korai?

Benvolio
Csak kilenc.

Rómeó
Ó, szomorú órák
Szóval húzzák! Nem az apám?
Sietve mentél el innen?

Benvolio
Igen, ő volt az. Miért tart ilyen sokáig a szomorúság?
Az órád?

Rómeó
A hiánya
Ami gyors áramlást biztosít számukra.

Benvolio
Szerelmes?

Rómeó
Nem az...

Benvolio
Megfosztva a szerelemtől?

Rómeó
Megfosztva
Viszonosság.

Benvolio
Szeress így
Gyönyörű megjelenésű, annak lennie kell
Valójában olyan nehéz, fájdalmas.

Rómeó
Jaj, szerelem, bár vak,
Szemek nélkül meg fogja találni, merre menjen
Érj el hozzánk és uralkodj rajtunk.
Hol fogunk ebédelni? - Jaj nekem!
Milyen harc volt? Azonban nem
Ne mondd: mindent hallottam; ellenségeskedéssel
Annyi aggodalom van itt,
De többet szeretettel... Ó, szerelem
Kegyetlen! Ó szerelmes rosszindulat!
Valami, ami a semmiből jött létre!
Ó, szomorú mulatság, hiúság
Komoly, formátlan káosz
Gyönyörű formák, ólomtoll,
Ragyogó füst, fagyos láng,
Rossz egészség, kialvatlan alvás,
Ami nem is nevezhető álomnak!
Így érzem a szerelmet
Nem érez semmi örömet az ilyen szerelemben.
nem nevetsz?

Benvolio
Nem, inkább sírok.

Rómeó
Miről szól ez kedves lélek?

Benvolio
A lelkedet nyomasztó bánatról.

Rómeó
Ennek a bánatnak az oka a szeretet.
Nehezen érzem magam a saját bánatomtól,
És hozzá szeretnéd adni a sajátodat,
Feleslegüket az együttérzés erősíti.
A szerelem a sóhajokból felszálló füst;
Ő a szemekben szikrázó tűz
Szerelmesek; riadtan ez a tenger,
Amit a könnyeik táplálnak.
mi lesz ezután? Ez ravasz őrület,
A keserű epe, ami megfojt minket,
És az édesség, ami eltart minket.
Búcsú.

Benvolio
Várj, én veled megyek,
Kár érte, ha így távozol.

Rómeó
Elvesztettem önmagam, nem vagyok Rómeó
Nincs itt, valahol...

Benvolio
Mondd
Komolyan, ki az, akit szeretsz?

Rómeó
Kérjen egy beteg embert
A szenvedésben végrendeletet tett:
Mennyire ámulatba ejti ez a szó a betegeket!
De, unokatestvérem, komolyan mondom:
szeretek egy nőt.

Benvolio
Az én sejtésemmel
Eltaláltam a célt.

Rómeó
Ó, te ügyes lövész vagy! -
Gyönyörű az, akit nagyon szeretek.

Benvolio
Minél jobb a célpont, annál könnyebb eltalálni.

Rómeó
Nos, itt, unokatestvér, hibáztál: benne
Nem találhatod el Ámor nyilát,
Diana intelligenciája megadatott neki, az ártatlanság benne van
Elpusztíthatatlan páncél védi,
Egy gyermeki szeretet íja nem bántja őt.
Közömbös a szerelmi beszédek iránt,
Nem bírja a szemtelen tekintetet
Néha a szenteket nem lehet elcsábítani.
Ó, ő gazdag a szépségben – együtt
Szegény, mert amikor meghal,
A vagyont hiába pazarolják.

Benvolio
Vagy megfogadta, hogy szűz marad?

Rómeó
Igen; és nagy veszteséghez vezet
Az ilyen absztinencia eredménytelen:
Végül is az egész utód meghal,
Elveszítve a létezésemet előre.
Tiszta, szép és okos, -
De vajon erre valók ezek a tökéletességek?
Úgy, hogy miután kétségbeesésbe sodort,
Hogyan szerezhet boldogságot a mennyben?
Cölibátus fogadalmat tett;
Megölt ez a kemény fogadalom,
Bár élek és beszélek róla.

Benvolio
Figyelj, barátom, felejtsd el őt, és gondolj rá.

Rómeó
Ó, taníts meg, hogyan kell ezt csinálni!

Benvolio
Engedj szabad utat a szemednek, a többi szépségnek
Figyel.

Rómeó
Íme egy orvosság – gyakrabban
Emlékszem a szépségére!
Olyan maszkok, mint a gyönyörű nők arca
Megérintnek, elgondolkodtatnak bennünket
Az alatta rejtőző szépségről.
Aki vak, az nem felejthet
Az elveszett látás kincsei.
Ó, mutasd meg a szépséget...
Nem szokványos – és a szépsége
Csak emlékkönyvként fog szolgálni,
Hol fogom elolvasni egy másik vonásait,
Mi felülmúlja őt szépségében?
Búcsú; nem taníthatsz meg
Feledés vagy.

Benvolio
vagy tanítani fogok
Halálomig hálás vagyok neked.

(Elmennek.)

JELENET II

(Utca.
Capulet, Paris és a szolgáló belép.)

Capulet
Ugyanilyen bírságot szabtak ki Montague-ra is,
Mint én; és mi, két öreg,
Szerintem nem lenne nehéz békében élni.

Párizs
Mindketten mélyen tisztelnek,
És kár, hogy a viszályod folytatódik.
De miért érdekel téged a párkeresésem?
Elmondod?

Capulet
Amit az előbb mondtam:
Hogy a lányom alig lépett világra,
Még nincs tizennégy éves;
Amikor újabb két év szépsége elhalványul -
Eljött az idő, hogy menyasszony legyen.

Párizs
Vannak nála fiatalabb anyák.

Capulet
Ezért halványulnak el túl korán.
Minden reményemet eltemettem
Ő az egyetlen reményem a világon.
De kedves Párizsom, kérlek,
Próbáld elérni a szerelmét:
A beleegyezésem meg van kötve
Júlia beleegyezésében és választásában.
Ma esti lakomát adok,
A család régi szokása szerint
És sok vendéget hívtam
Azokról, akiket szeretek; beleértve
Szíves vendégem leszel.
És várok rád; gyere ma este
Szerény otthonomba, a földi csillagokhoz
Ott látni, kinek a fényes fénye
Az égi csillagok ragyogása elhomályosul.
Örömmel várok rád,
Miért érzik a fiatal férfiak annyira tavasszal,
Amikor virágzik, elmegy
Az unalmas lassú tél mögött.
Ott a fiatal bimbók virágoskertjében
Élvezni fogja a gyönyörű kilátást;
Hallgass meg mindenkit, és nézd meg közelebbről -
És válassza ki a legjobbat.
És a lányom is ott lesz többek között
Csak a rekord kedvéért: ő semmi sem előttük.
Menjünk, gróf úr;
(szolga)
és sietsz és indulsz
A város körül; keressen és hívjon meg
Mindenki, aki fel van írva erre a listára;
(A jegyzet átadása.)
Mondd meg nekik, hogy szeretettel és üdvözlettel várom őket.

(Párizssal távozik.)

Szolga
Megtalálja azokat, akiknek a neve ide van írva? És itt azt írják, hogy a cipész
ő magára vette az arshint, a szabó pedig a csűrt; hogy a halász ecsettel hadonászjon, és
festő - kerítő. Azért küldtek, hogy megkeressem azokat, akiknek a neve ide van írva; De
Nem találom, hogy pontosan ki van itt rögzítve. Fel kell vennem a kapcsolatot a tudósokkal
az embereknek. Ó, mellesleg itt vannak!

(Rómeó és Benvolio belép.)

Benvolio
Egyik tűz elveszik a másikban,
A szenvedést a szenvedés csökkenti;
Ha forog a fejed,
Pörgesd újra;
Egyik bánatot meggyógyítja a másik:
Hagyd, hogy új méreg kerüljön a szemedbe -
És a régi fertőzés eltűnik.

Rómeó
Az útifű hasznos itt.

Benvolio
Ahol? Minek?

Rómeó
Sérült csontokhoz
A lábad.

Benvolio
megőrültél?

Rómeó
Nem, nem, de rosszabb, mint volt:
Börtönben vagyok, megfosztanak élelemtől,
Elgyötört, kimerült vagyok.
(Egy megfelelő szolgának.)
Helló édesem.

Szolga
Hello, uram. Mondd, kérlek, tudsz olvasni?

Rómeó
A sorsom a szerencsétlenségemben van.

Szolga
Ezt könyvek nélkül is meg lehet tanulni, de azt kérdezem, hogy tudsz-e olvasni
ami le van írva.

Rómeó
Igen, ha ismerem a betűket és a nyelvet.

Szolga
Őszintén válaszolsz. Boldog tartózkodást. (El akar menni).

Észrevetted, hogy Shakespeare tragédiáinak főszereplője fokozatosan öregszik? Ezt azért tudjuk megítélni, mert Shakespeare drámáinak kronológiája ismert. A fiatal Rómeó (Rómeó és Júlia, 1595 körül), a harminc éves Hamlet (Hamlet, 1600 körül), a bátor és érett harcos Othello (Othello, 1603 körül), az öreg Lear király (Lear király, 1605 körül) és az örök, kortalan Prospero (The Tempest, 1611 körül). Ez valamilyen pszichológiai vagy filozófiai okkal magyarázható, mondhatjuk, hogy a darabok szerzője maga is felnő, lírai hőse megöregszik és bölcsebb. De van egy sokkal egyszerűbb magyarázat is: mindezeket a szerepeket egy színésznek írták - Richard Burbage-nek, aki azt a színházi társulatot vezette, amelynek Shakespeare is tagja volt. Burbage játszotta Rómeót, Hamletet, Othellot, Macbethet, Prosperót és sok más szerepet. És ahogy Burbage öregszik, úgy öregszik Shakespeare hőse is.

Ez csak egy példa arra, hogy Shakespeare szövegei elválaszthatatlanul kapcsolódnak ahhoz a színházhoz, amelyre Shakespeare írt. Nem az olvasónak írt. Ő, mint kora legtöbb embere, nem kezelte a színdarabokat az irodalom egyik formájaként. A dráma akkoriban még csak kezdett irodalommá válni. A darabokat a színészek anyagaként, a színház alapanyagaként kezelték. Felesleges azt feltételezni, hogy Shakespeare drámái írásakor a leszármazottaira gondolt, arra, hogy mit mondanak majd a jövő nemzedékei. Nemcsak színdarabokat írt, hanem előadásokat is. Rendezői gondolkodású drámaíró volt. Minden szerepet a társulata bizonyos színészeinek írt. A szereplők tulajdonságait a színészek tulajdonságaihoz igazította. Például ne csodálkozzunk, amikor a Hamlet végén Gertrude azt mondja Hamletről, hogy kövér és légszomjas. Ez megdöbbentő: hogyan lehetséges ez? Hamlet – a kegyelem megtestesítője, a kifinomultság és a kifinomult melankólia megtestesítője – hirtelen elhízott és légszomj? Ez egyszerűen megmagyarázható: a Hamletet játszó Burbage már nem fiú volt, hanem meglehetősen erőteljes, erős testalkatú férfi.

Mandelstam egy cikkben  „Művészszínház és szó” (1923). Van egy csodálatos képlet: "Az irány a szóban van elrejtve." Shakespeare szavai szerint ez az irány a legkézenfekvőbb módon rejtőzik (vagy tárul fel). Előadásokat ír, mise-en-jeleneteket készít.

Bulgakov „Színházi regényében” van egy pillanat, amikor a főszereplő Maksudov, aki éppen most írta meg a „Fekete hó” sztorit, hirtelen, önmaga számára váratlanul színjátékká alakítja. Az asztalnál ül, mellette valami rühes macska, és egy régi lámpa a feje fölött. És hirtelen úgy tűnik neki, hogy egy doboz áll előtte az asztalon, amelyben apró alakok mozognak. Itt valaki lő, itt valaki holtan esik el, itt valaki zongorázik, és így tovább. Ekkor jött rá, hogy színdarabot ír.

Shakespeare-nek volt valami hasonló. Csak előtte nem egy boxszínpad volt, hanem a Globe Színház nyitott tere, melynek színpada a nézőtérre zuhant, úgy, hogy a közönség három oldalról körülvette - és ezért a mise-en-jelenetek nem voltak síkbeliek, hanem háromdimenziós. És Hamlet, aki azt mondta, hogy „legyen vagy ne legyen”, látta maga körül, a közelben a hallgatóság figyelmes arcát. A közönség, akinek és csakis azok számára írták ezeket a darabokat. Shakespeare része volt ennek a színházi valóságnak. Egész életét színészek, színészi beszélgetések, sovány kellékek között élte le. Színházi ember volt. Drámáit ebben a színpadi térben építette. Nemcsak társulata színészeinek írt szerepeket, darabjainak felépítését a Globe színpadának vagy azon színházak felépítéséhez igazította, ahol társulata játszott.

A Globe-nak három színpadi tere volt: volt egy nagyszínpad, volt egy felső színpad, amely erkélyszerűen lógott a nagyszínpad fölött, és volt egy belső színpad, amelyet függönny választott el a nagyszínpadtól. A nagyszínpad előtt nem volt függöny. Shakespeare úgy építi fel a játékát, hogy világos legyen, hol játszódik egy jelenet, hogyan változik a felső színpad, a belső színpad, valamint a színpad legtetején lévő kunyhó használata, ahol az emelőszerkezeteket rögzítették. Vagyis színdarabot ír. És micsoda lenyűgöző feladat - amit évek óta a diákokkal végzünk - egy darab szövegéből előadást kinyerni! A Hamlet szövegéből kivonjuk a Hamlet ősbemutatóját, mivel a Hamletet 1601-ben, a darab írásakor játszották a Globe-on.

Ha ebből a szemszögből olvasod Shakespeare drámáját, akkor ezekről az oldalakról hirtelen élő arcok, élő színrevitel, élő színházi metaforák kezdenek megjelenni előtted. Ez talán a legfigyelemreméltóbb. Ez pedig azt bizonyítja, hogy Shakespeare velejéig színházi ember volt, és hogy a színház lényegében, akkor és most is az a fő eszköz, amellyel Shakespeare kommunikál a világgal. Bármilyen fontos is a filológiai kutatás és Shakespeare filozófiai gondolatainak kutatása, világa mindenekelőtt egy színpad, egy színház.

A nagyszínpad előtti függöny hiánya határozza meg a darab szerkezetét. Például, ha valakit megölnek a színpadon – és Shakespeare-ben, mint tudod, ez gyakran előfordul, különösen a korai darabokban. Néhány "Titus Andronicusban" sok a vér, a darab húsz, véleményem szerint a hős négy fiának maradványaival kezdődik.  „Tizennégy gyilkosság, harmincnégy holttest, három levágott kéz, egy levágott nyelv – ez a borzalmak listája, amelyek betöltik ezt a tragédiát.” A. A. Anikst. Titus Andronicus. // William Shakespeare. Összegyűjtött művek. T. 2. M., 1958.. És ami nincs ott - vágja le a kezét, vágja le a nyelvet. Shakespeare állandóan öl. Mit csináljunk a színpadon a halottakkal? Hová tegyem őket? Egy modern színházban lekapcsolják a villanyt, vagy bezárják a függönyt. A most megölt hőst játszó színész feláll, és a színfalak mögé megy. Mit kell itt csinálni? Tekintettel arra, hogy az előadások nappali fényben zajlottak, mesterséges világítás nem volt. Egyébként nem volt szünet sem. A közönség nagy része felállt. (Képzeld el, mennyire kellett szeretni a színházat ahhoz, hogy két és fél, három órát állhass a szabad londoni ég alatt szünet nélkül.)

Tehát a színpadon valakit megölnek, vagy valaki meghal. Például Shakespeare IV. Henrik krónikájában IV. Henrik király meghal. Hosszú és nagyon mély búcsúmonológot mond a fiának. És hirtelen feltesz egy furcsa kérdést: "Mi a következő szoba neve?" Szerintem nem ez a fő kérdés, amit egy haldokló feltesz. Azt válaszolják neki: "Jeruzsálima, uram." Azt mondja: „Vigyél a szomszéd szobába, mert azt jósolták, hogy Jeruzsálemben fogok meghalni.”

Sok hasonló példa van. Például miért hordta volna el Hamlet a halott Poloniust? Aztán megszabadítani a színpadot a halotttól, hiszen a függönyt nem lehet bezárni. Sok feltételezés lehet arról, hogy miért van szükség Fortinbrasra a Hamlet fináléjában. Mi a filozófiai, pszichológiai, történelmi értelme ennek a titokzatos szereplőnek? Egy dolog teljesen világos: Fortinbras kell a holttestek elhordásához, amelyekből a fináléban sok a színpadon. Létének természetesen nemcsak ez az értelme, hanem ez az egyik tisztán színházi funkciója.

Természetesen Shakespeare nem színházi mutatványok sorozata. Maga a színházról alkotott nézete meglehetősen mély és filozófiai. Shakespeare művének egyik vezérmotívuma az az elképzelés, hogy az egész Univerzum színházszerűen épül fel. A színház a világ modellje. Ez az a játék, amit az Úr talált ki magának, hogy ne unatkozzon ebben a hatalmas térben, ebben a végtelen magányban. A színház a világ. A történelem színház. Az élet egy színház. Az élet színházi. Az emberek színészek a világszínház színpadán. Ez az egyik fő motívuma Shakespeare művének, amely a tisztán színházi és technikai eszközök birodalmából a világmegértés birodalmába vezet.

A Globe Színházban a színészek feje fölött „mennyországnak” nevezett baldachin található. A lábad alatt van egy nyílás, az úgynevezett „pokol, az alvilág”. A színész a menny és a pokol között játszik. Ez egy csodálatos modell, egy csodálatos portré egy reneszánsz emberről, aki a lét üres terében érvényesíti személyiségét, kitölti ezt az űrt ég és föld között jelentésekkel, költői képekkel, tárgyakkal, amelyek nem a színpadon vannak, de a szó. Ezért, amikor Shakespeare-ről mint a színház emberéről beszélünk, szem előtt kell tartanunk, hogy színháza az Univerzum modellje. 

Dekódolás

1607-ben volt, azt hiszem szeptemberben. Két angol kereskedelmi hajó utazott Londonból Indiába Afrika körül a Vasco da Gama által megnyitott útvonalon. Mivel az út hosszú volt, úgy döntöttünk, hogy megállunk Sierra Leone közelében pihenni és feltölteni az utánpótlást. Az egyik hajót Vörös Sárkánynak hívták, kapitánya William Keeling volt. Beírta a hajónaplóba, hogy megparancsolta a matrózoknak, hogy adjanak elő valamilyen játékot közvetlenül a fedélzeten. Ezt a feljegyzést a 19. század végén fedezték fel – korábban soha senkinek nem jutott eszébe, hogy valami shakespeare-i alkotást keressen az Admiralitás archívumában.

Milyen színdarabot választanak egy írástudatlan tengerésznek? Először is rendkívül hatékonynak kell lennie. Másodszor, minél többet ölnek a darabban, annál jobb. Harmadszor, ott kell lennie szerelemnek. Negyedszer, dalok. Ötödször, hogy a bolondok megszakítás nélkül vicceljenek és vicceljenek. Bizonyára pontosan ezt várta az előadástól az abszolút írástudatlan tengerész közönség.

Keeling színdarabot választott a tengerészeknek, hogy a tengerészeknek játsszon. „Hamlet”-nek hívták, és a tengerészeknek nagyon tetszett – aztán újra eljátszották az Indiai-óceánon hajózva. Ellentétben velünk, ők nem láttak semmilyen rejtélyt ebben a darabban. Számukra ez volt az egyik népszerű bosszútragédia akkoriban, egyike azoknak a véres tragédiáknak, amelyeket Shakespeare elődje, Thomas Kyd írt. (Egyébként nagy valószínűséggel a Shakespeare előtti Hamlet szerzője.)

Ez a véres dráma műfaja állandó jellemzők egész halmazába torkollott. Először is ez a történet egy titkos gyilkosságról szól. Másodszor, egy szellemnek kell megjelennie benne, amely tájékoztatja, hogy kit öltek meg és kit öltek meg. Harmadszor, a darabnak színházi előadással kell rendelkeznie. És így tovább. Egyébként így épült fel az akkoriban nagy népszerűségnek örvendő Kid „A spanyol tragédia” című darabja. A tengerészek szemében Shakespeare Hamletje egészen természetesen illeszkedik ebbe a népszerű, szeretett és lényegében nagyon egyszerű műfajba.

Vajon ezek az analfabéta fickók (akik valójában semmiben sem különböztek a Shakespeare's Globe Theater közönségétől – félig írástudó kézművesek) képesek voltak-e azt látni Hamletben, amit a későbbi nemzedékek, amit mi látunk? A válasz nyilvánvaló: természetesen nem. Úgy érzékelték ezt a darabot, hogy nem különböztették meg a többi hasonló, mondhatni detektívjátéktól. Számított-e Shakespeare a Hamlet megírásakor arra az időre, amikor a jövő emberisége felfedezi mindazokat a nagyszerű igazságokat, amelyeket ebbe a darabba írt? A válasz is egyértelmű: nem. Egy ember, aki azt akarja, hogy drámáit megőrizzék, azok kiadásáról gondoskodik. Ezzel próbálj vitatkozni. Shakespeare nemcsak nem törődött drámáinak megjelenésével, hanem gyakran meg is akadályozta. Abban az időben a dramaturgia pusztán színházi kérdésnek számított - Shakespeare és kortársai drámáit különféle, gyakran véletlenszerű okokból adták ki.

Például Hamletnél történt egy ilyen történet. 1603-ban jelent meg a Hamlet első kiadása, az úgynevezett kalóz, rövidített, eltorzított, torz szöveggel, nem nagyon hasonlít az általunk ismerthez. A szöveget ellopták, és a társulat és a szerző akarata ellenére kiadták. Bár a szerző akarata akkoriban keveset jelentett. A darab teljes egészében a társulat tulajdonában volt. Ha Londonban hirtelen bezártak a színházak (például pestisjárvány miatt), akkor a társulat a szöveg megőrzése érdekében kénytelen volt elvinni a darabot a kiadóhoz, és aprópénzért eladni.

A „Hamlet” nagyon népszerű színdarab volt a tengerészek és a kézművesek, valamint a humanista értelmiségiek körében. Mindenki szereti a Hamletet, ahogy Shakespeare kortársa is írta.

És most, utólag, a 20. században kezdték kideríteni, melyik barom adta el Shakespeare szövegét? Ugyanis pontosan egy évvel a kalózkiadás megjelenése után a Shakespeare-társulat közzétette az eredeti szöveget. Az tény, hogy maga a társulat nagyon ügyelt arra, hogy a darabot ne lopják el. A kiadók pedig bármilyen módon akarták megszerezni a darab szövegét, ha sikerül. Néha gyorsírókat küldtek, és füllel jegyzeteltek, bár a körülmények nagyon rosszak voltak – nappal adták elő az előadást, nem volt hova bújni. A színészek, miután felfedeztek egy személyt, aki egy előadáson lejegyzi a szöveget, félholtra verhették.

És néha a kiadók megvesztegettek egy színészt, hogy emlékezetből reprodukálja a szöveget. Emlékezetül - mert egyetlen színész sem kapta meg a teljes darab szövegét, csak szereplisták.

És most, több mint három évszázaddal a darab megírása után, a történészek úgy döntöttek, hogy leleplezik a csalót. Nagyon egyszerű feltevésből indultak ki. Ez a színész természetesen ismerte a legjobban szerepének szövegét és azoknak a jeleneteknek a szövegét, amelyekben a karaktere elfoglalta magát. A kutatók a darab két szövegét hasonlították össze, a kalózt és az autentikusat. Kiderült, hogy mindössze három kis szerep szövege teljesen azonos. A tény az, hogy Shakespeare társulata, mint a többi akkori társulat, részvényesekből állt - olyan színészekből, akik részvényeken dolgoztak, és a színház jövedelmétől függően fizetést kaptak. Kis szerepekre, tömegjelenetekben pedig külső színészeket fogadtak fel. Nyilvánvaló, hogy a szöveget árusító kalóz (ez a korabeli kifejezés) ezt a három kis szerepet három különböző jelenetben játszotta el - és ezért teljes hitelességgel adták át. Egyikük Marcellus őr az első felvonásból, aki a híres szavakat mondja: „Valami elromlott a dán államban”. Teljesen egyértelmű, hogy a legnehezebb dolga a kalóznak a filozófiai monológok voltak. Próbálj meg emlékezni „Lenni vagy nem lenni”. Ezért ebben a kiadásban Hamlet monológjait reprodukálták a legszánalmasabb módon. A kalóz saját maga hozzátett néhány dolgot. Emlékszel, Hamlet felsorolja azokat a szerencsétlenségeket, amelyek az emberek fejét érik, és megkérdezi, ki bírná el „az erősek elnyomását... a bírák lassúságát”? A szerencsétlenségek listájához a kalóz "az árvák szenvedését és a súlyos éhezést" tette hozzá. Egyértelmű, hogy ez a lelkéből jött ki.

Az eset után a lopás többé nem történt meg. Talán maga a Shakespeare-csoport ragadta meg ennek a szerencsétlen szélhámosnak a kezét – és csak elképzelni lehet, mit tettek vele.

Miért jutott eszembe ez a történet? Ez az egyik ezer példa arra, hogy Shakespeare szövegeinek sorsa hogyan kapcsolódik össze a Shakespeare-kor színházának sorsával, annak társulatának és közönségének életével, akik számára ezek a nagyszerű darabok születtek.

Könnyű nevetni a közvélemény írástudatlanságán, azon, hogy milyen sötét és udvariatlan srácok voltak. De ugyanakkor ideális közönség volt. Isteni szép közönség volt, készen elhinni mindent, ami a színpadon történik. Ez egy olyan közönség volt, amelyet a templomban neveltek fel a prédikációkra, és még mindig emlékeztek a középkori misztériumelőadások élményére. Olyan közönség volt, amelyben isteni egyszerűség volt. Ebben a közönségben, amelynek Shakespeare írt, és amelytől közvetlenül függött, az abszolút hit fantasztikus, irigylésre méltó tulajdonsága volt, amely lényegében eltűnt a modern színházban. A hit, amely nélkül nincs nagy színház. 

Dekódolás

Shakespeare vígjátékai nem felelnek meg annak a vígjáték műfajnak az elképzelésének, amelyben felnevelkedtünk. Megszoktuk, hogy a nevetés nevetségesség. Megszoktuk, hogy a vígjáték és a szatíra ugyanarról szól. A Shakespeare-vígjátékok rejtélyes, varázslatos és különös alkotások („Táncoló csillag alatt születtem” – mondja Beatrice-nek a „Much Ado About Nothing” című vígjáték hősnője). Ez a reneszánsz vígjáték egyedülálló példája, félretéve a világvígjáték tradicionális fejlődési útját, amely szatirikussá fejlődött, romboló, dühös, szarkasztikus nevetéssel (Moliere típusú).

Shakespeare másképp nevet. Ez az öröm nevetése a világban. Ez a költői nevetés, amiben az életerők lényegében reneszánsz forrongása árad ki. Ez a nevetés a világ, a fű, az erdő, az ég, az emberek iránti szeretet nyilatkozatává válik.

A hagyományos Molière-féle vígjátékok nevetségessé teszik. A Shakespeare-vígjátékok nevetséges komédiák. A Moliere-Gogol típusú hősök nevetséges, szatirikus karakterek, leggyakrabban idős emberek. Shakespeare hősei fiatal szerelmesek, akik szerte a világon utaznak boldogságot keresve, akik maguk fedezik fel a világot. Először szerelmesek, féltékenyek, felháborodnak – minden először. És nem csak az a lényeg, hogy maguk Shakespeare hősei fiatalok, hanem az is, hogy egy fiatal kor, a világot felfedező kor szellemét hordozzák magukban. Innen ered a csábító eredetiség érzése, amely Shakespeare drámáinak fantasztikus varázsát adja. Egy modern ember számára – ironikus, szarkasztikus, nem túlságosan elhinni sem hajlandó – Shakespeare vígjátékai néha rejtélynek, hét pecséttel megpecsételt titoknak bizonyulnak.

Mellesleg ezért is lehet több tucat nagy tragédiát megnevezni a 20. század színházában - és szó szerint számba venni a vígjátékok nagyszerű produkcióit. Könnyű elképzelni egy rendezőt, aki egész életében a Hamlet színpadra állításával tölti. De szívesen látnék egy olyan rendezőt, aki egész életében arra készül, hogy A csípős megszelídítése színpadra állítsa. Ez nem valószínű. A 20. és 21. század nyitottabb a tragédiákra. Talán azért, mert Shakespeare vígjátékai tele vannak boldogságérzettel, csupa sugárzó, szédítő öröm – maga a létezés öröme, az ember születésének öröme, a világ és az ember felfedezésének öröme és a szerelem.

Shakespeare vígjátékai nagyon különbözőek. Óriási a távolság egyrészt A csípős megszelídítése vagy a Tévedések vígjátéka, másrészt a Szentivánéji álom vagy a Tizenkettedik éjszaka között. Pedig ott van a Shakespeare-vígjáték koncepciója, mint egy különleges integrált műfaj. Ennek a műfajnak az egyik jellemzője, hogy sok vígjáték ugyanazt a történetet meséli el – arról, hogyan menekülnek az erdőbe a fiatal szerelmesek egy drámai, ellenséges világból, a kemény törvények világából, egy üldöző, szerelmet pusztító világból. Az erdő pedig megmenti és menedéket nyújt nekik. Minden kínjaik és drámájuk, ami miatt szenvedtek, eloszlik az erdőben. Az erdő mint természetkép a reneszánsz művészet egyik központi képe. A zenéhez hasonlóan ő is visszavezeti az embereket saját természetükhöz. (Egy reneszánsz ember számára a zene a lét szimbóluma, az Univerzum felépítésének képe. Ezt kölcsönözték a reneszánsz kor emberei az ókori pitagoreusoktól: a zene mint az Univerzum létezésének törvénye. Shakespeare vígjátékai tele ilyen zenével.)

Az Ahogy tetszik című darabban Rosalind és kedvese, Orlando Frederick zsarnok kastélyából az erdőbe menekülnek, és ott harmóniát, békét és boldogságot találnak. Rosalind Shakespeare egyik legzseniálisabb, legtökéletesebb, játékra és átalakulásra hajlamos, szuperművészi hőse. Általában véve hősei - művészek, színészek - gyakran igazi boldogságot találnak a játékban.

De ellentétben azzal, ahogy ez történik a lelkipásztorkodásban  Pásztori- békés és egyszerű vidéki életet költő művészeti műfaj, ahol a hősök is a természetbe menekülnek a hétköznapok gondjai elől, Shakespeare vígjátékainak hősei minden alkalommal visszatérnek a világba - de az erdő által már megmentett és megújult világba. Ezt a konfrontációt nevezhetjük Shakespeare vígjátékainak fő cselekményének – a kemény, tradicionális, ostoba, konzervatív, kegyetlen világ és a szabadság világa közötti konfrontációnak, amelyet az emberek az erdőben találnak.

Ez egy tündérerdő. Az Ahogy tetszik című vígjátékban pálmafák és oroszlánok vannak, bár az akció valahol Franciaország és Belgium között játszódik. A Szentivánéji álom című darabban manók és varázslények élnek az erdőben. Ez egy távoli birodalom világa, egy valóra vált álom – egyrészt. Másrészt ez egy angol erdő. Ugyanaz a Sherwood Forest a Robin Hoodról szóló balladákból (mint a „The Two Gentlemen of Verona”, ahol a Milánó és Verona között élő rablók Robin Hood merész bandájának öreg szerzetesének kopaszságára esküsznek). Vagy ugyanaz az Arden-erdő az „As You Like It” című darabban - ez a Stratford melletti erdő is, ahol Shakespeare gyermekkorát töltötte, és ahol a népszerű hiedelmek szerint elfek éltek - testetlen repülő lények, amelyek megtöltötték ennek az erdőnek a levegőjét. . Ez egy varázslatos ország, de ugyanakkor Erzsébet-kori Anglia. Az As You Like It című vígjáték azokról az emberekről beszél, akik száműzetésként élnek ebben az erdőben, akárcsak Robin Hood idejében. Shakespeare vígjátékainak képe egyben a régi Anglia képe is. Az öreg Robin Hood Anglia.

V. Henrik krónikájában egy nő, aki Shakespeare legnagyobb képregényhősének, Falstaffnak a halálos ágya közelében áll, elmondja, hogy halála előtt néhány zöld mezőről motyogott. Ezek a régi Anglia zöld mezői, a régi Robin Hood Anglia mezői. Az örökre távozó Anglia, amelytől Shakespeare darabjai búcsúznak. Nosztalgiázva búcsúznak ettől az egyszerű és gyönyörű világtól, amelyet olyan mélységgel, bájjal és egyszerűséggel ragadnak meg Shakespeare vígjátékai.

Az előadás végét egy amerikai tudóstól kölcsönözöm. Shakespeare vígjátékáról előadást tartott tanítványainak, így fejezte be: „Hogyan határozzuk meg Shakespeare vígjátékainak világát? Shakespeare vígjátékainak világát talán így lehet a legjobban meghatározni. Ez egy olyan világ, ahol vannak diákok, de nincsenek előadások." 

Dekódolás

A Shakespeare krónikái Anglia múltjának történelmi drámái, főleg a 14. és 15. századból. Érdekes megérteni, miért kelt fel Shakespeare Angliájában nemcsak a humanisták, tudósok, történészek, hanem az egyszerű emberek körében is ekkora érdeklődés a nemzeti történelem iránt. Véleményem szerint a válasz egyértelmű. Amikor 1588-ban az Invincible Spanish Armada – egy hatalmas flotta több tízezer katonával a fedélzetén – Anglia meghódítására indult, úgy tűnt, Nagy-Britannia sorsa a mérlegen lóg. Ki gondolta volna, hogy egy vihar szétszórja a spanyol hajókat, és az angol haditengerészeti parancsnokok képesek lesznek megsemmisíteni ezt a hatalmas flottát. Volt egy pillanat, amikor úgy tűnt, hogy a britek nemzeti katasztrófával néznek szembe. És ez a fenyegetés, a katasztrófa előérzete egyesítette az országot, egyesítette az összes osztályt. A britek úgy érezték, mint még soha, hogy egy nemzet. És ahogy a nemzeti veszély pillanataiban megtörténik, a művészet és egyszerűen az emberek tudata a múlt felé fordult - hogy az angol nemzet ott ismerje fel történelmi sorsának eredetét, és ott reményt leljen a győzelemre. A nemzetegyesítés hullámán keletkezett a történelmi krónikáknak ez a sajátos drámai műfaja.

Elmondható, hogy Shakespeare krónikáiban a legnagyobb teljességgel kifejezésre jutott a reneszánsz humanisták történelemszemlélete. Azon a gondolaton alapult, hogy a történelem lényege az isteni lényeg, hogy a történelmi folyamat mögött szuperakarat, isteni akarat, abszolút igazságosság áll. Azok, akik megszegik a történelem törvényeit, akik megszegik az erkölcsi törvényeket, halálra vannak ítélve. De a lényeg az, hogy Shakespeare krónikáinak legteátrálisabb, emberileg legérdekesebb motívumai és képei éppen a mindenféle törvényt megszegőkről szóló történetekben vannak. A legszembetűnőbb példa Richard III. Fenevad, szörnyeteg, gazember, érzéki, gyilkos, rágalmazó, erőszakoló. De amikor a darab legelején megjelenik a színpadon, vallomással fordul hozzánk. Milyen furcsa ötlet egy színdarabot vallomással kezdeni. Milyen furcsa egy darabot úgy felépíteni, hogy a hős már az első jelenetben felfedi szörnyű lelkét. Micsoda szörnyű megsértése a drámai szerkezet összes törvényének! Hogyan lehet továbbfejleszteni az eseményeket? De Shakespeare egy zseni, és a törvények felett áll. És a "III. Richard" csodálatos bizonyíték.

És nem az a lényeg, hogy a darab egy vallomással kezdődik, hanem az, hogy váratlanul beleesünk ennek a korcsnak, gazembernek, gazembernek, gyilkosnak, érzékinek az uralkodó varázsa, a különleges rettenetes vonzereje alá. A bűneit vég nélkül lehet sorolni. De ez egy zseni figurája, fekete, de egy zseni, egy ember, aki parancsolni született. Mellette a többi bűnös vagy erényes politikus kis sültnek tűnik. Sőt, hogy hatalmat szerezzen felettük, még túl sok energiát is költ. Ezeket a néma bárányokat, néma gyávákat könnyű megnyerni.

III. Richárd mindenekelőtt nagyszerű színész. Nagyon élvezi a képmutató játékot, a maszkváltást. Itt minden erkölcsi szabály, minden hagyományos elképzelés a jóról és a rosszról összeomlik. Összeomlanak ennek a szörnyű, szörnyű, de igazán nagyszerű alaknak a kiválasztottsága előtt.

Milyen könnyedséggel győzi le ez a púpos, korcs, béna férfi Lady Annát. Ez a darab leghíresebb jelenete, bár csak körülbelül tíz percig tart. Lady Anne eleinte gyűlöli, arcon köpi, átkozza, mert férje és férje apja, VI. Henrik gyilkosa. És a jelenet végén a lány hozzá tartozik – ilyen a szuperakarat, egy szörnyű szupererő, amely lerombol minden jóról és rosszról alkotott elképzelést. És az ő varázsa alá esünk. Várjuk, hogy ez a gonosz zseni végre megjelenjen a színpadon. Minden idők színészei imádták ezt a szerepet. És Burbage, aki az első előadó volt, és Garrick a 18. században, és Edmund Kean a 19. században, és a 19. század végén Henry Irving, és Laurence Olivier. És ha már a színházunkról beszélünk, akkor Robert Sturua darabja továbbra is remek példa marad  Robert Sturua(sz. 1938) - színházi rendező, színész, tanár.. Ramaz Chkhikvadze zseniálisan alakította ezt a félig embert, félig szörnyet.

Ez a fenevad parancsra született, de halála elkerülhetetlen. Mert fellázadt a történelem ellen, az ellen, amit Shakespeare a krónikák központi vezérmotívumává kombinál. Ő, egy lázadó, fellázadt az idő ellen, Isten ellen. Nem véletlen, hogy amikor Keane játszotta ezt a szerepet, a haldokló Richard utolsó pillantása az égre nézett. És ez az ellenség megbékéletlen, megbocsáthatatlan pillantása volt. "III. Richard" az egyik példa arra, hogy Shakespeare zsenialitása hogyan győzi le az etikai törvényeket. És ennek a fekete zseninek kiszolgáltatjuk magunkat. Ez a szörnyeteg, gazember, hataloméhes nemcsak Lady Annát győzi le, hanem minket is. (Főleg, ha Richardot egy nagyszerű színész játssza. Például Laurence Olivier. Ez volt a legjobb szerepe, amit először a színházban, majd az általa rendezett filmben játszott.)

Shakespeare krónikáit sokáig mintegy deideologizált történelmi értekezésnek tekintik. Kivéve a III. Richárdot, amit mindig előadtak és mindig is szerettek a színészek. Mindezek a végtelen „VI. Henrik”, első, második, harmadik rész, „IV. Henrik”, első, második rész, mindezek a „János királyok” érdekesebbek voltak a történészek számára, de nem a színház számára.

Ez így volt egészen addig, amíg az 1960-as években Stratfordban a Royal Shakespeare Színházat irányító Peter Hall Shakespeare-krónikák sorozatát nem állította színpadra A rózsák háborúja címmel.  A skarlát és a fehér rózsák háborúja, vagy A rózsák háborúja, (1455-1485) - fegyveres dinasztikus konfliktusok sorozata az angol nemesség hatalomért harcoló frakciói között.. Úgy rendezte őket, hogy nyilvánvalóvá vált a kapcsolat Shakespeare és Brecht történelmi drámája, Shakespeare történelmi drámája és a 20. század közepi dokudráma között. Shakespeare krónikái és Antonin Artaud „a kegyetlenség színháza” közötti kapcsolat  Antonin Artaud(1896-1948) - francia író, drámaíró, színész és teoretikus, a színházi nyelv megújítója. Artaud rendszerének alapja a színház tagadása e jelenség szokásos felfogásában, egy olyan színház, amely kielégíti a közönség hagyományos igényeit. A végső cél az emberi létezés valódi értelmének felfedezése a véletlenszerű formák elpusztításán keresztül. A „kegyetlenség” kifejezés Artaud rendszerében alapvetően eltér a mindennapi jelentésétől. Ha a hétköznapi felfogásban a kegyetlenséget az individualizmus megnyilvánulásával társítják, akkor Artaud szerint a kegyetlenség a szükség tudatos behódolása, melynek célja az individualitás lerombolása.. Peter Hall felhagyott a hagyományos hazafias érzelmekkel, minden olyan kísérlettel, amely a Brit Birodalom nagyságának dicsőítésére irányult. Színdarabot állított színre a háború szörnyű, csúnya, embertelen arcáról, Bertolt Brecht nyomdokaiba lépve, és tanult történelemszemléletéből.

Azóta, 1963 óta, amikor Peter Hall Stratfordban megrendezte történelmi ciklusát, Shakespeare krónikáinak színházi sorsa megváltozott. Olyan szélességgel léptek be a világszínházba, ami korábban teljesen lehetetlen volt. Shakespeare krónikáit pedig a mai napig őrzik a modern színház repertoárja, elsősorban az angol és a miénk.

Emlékszem a csodálatos „Henry IV” darabra, amelyet az 1960-as évek végén Georgij Tovsztonogov vitt színre a Bolsoj Drámai Színházban. És milyen ragyogó sorsa van „III. Richardnak” az orosz színpadon. Nem az a lényeg, hogy a III. Richárd színrevitelénél a történelmünkre, saját szörnyetegünk alakjára emlékeztünk. Nyilvánvaló volt. De Shakespeare nem konkrét történelmi személyekre gondolva írt színdarabokat. A III. Richárd nem Sztálinról szóló színdarab. A III. Richárd egy színdarab a zsarnokságról. És nem annyira róla, hanem a kísértésről, amit hordoz. A rabszolgaság szomjúságáról, amelyre minden zsarnokság épül.

Tehát Shakespeare krónikái nem történelmi értekezések, hanem élő színművek, színdarabok saját történelmi sorsunkról. 

Dekódolás

Néhány évvel ezelőtt Veronában jártam azokon a helyeken, amelyek – ahogy a veronai lakosok mondják – Rómeó és Júlia történetéhez kötődnek. Itt van egy régi, nehéz, mohával borított erkély, amelyen Júlia, alatta pedig Rómeó állt. Itt van az a templom, amelyben Lorenzo atya fiatal szerelmeseket házasodott össze. És itt van Júlia kriptája. Az óváros falain kívül található, a modern Verona Cheryomushki városában. Ott, az abszolút Hruscsov-kori ötemeletes épületek között áll egy bájos kis ősi kolostor. A pincéjében található az úgynevezett Júlia-kripta. Senki sem tudja biztosan, hogy ő az, de úgy gondolják, hogy ő az.

Ez egy nyitott sír. Bementem a pincébe, megnéztem, teljesítettem Shakespeare-rel szembeni kötelességemet, és távozni készültem. De az utolsó pillanatban észrevettem, hogy a sír fölött egy kőpárkányon egy halom papírdarab hevert. Megnéztem az egyiket, és rájöttem, hogy ezek olyan levelek, amelyeket a modern lányok írnak Júliának. És bár illetlenség mások leveleit olvasni, én mégis elolvasok egyet. Borzasztóan naiv, angolul írva. Vagy egy amerikai írta, vagy egy olasz lány, aki úgy döntött, hogy a Julietet angolul kell megírni, mivel ez egy Shakespeare-darab. A tartalom valami ilyesmi volt: „Kedves Júlia, most értesültem a történetedről, és annyira sírtam. Mit tettek veled ezek az aljas felnőttek?

Azt hittem, hogy a modern emberiség és a modern színház éppen ezt teszi, hogy leveleket írnak a múlt nagy műveihez. És választ kapnak. Lényegében ennek a levelezésnek a története a modern színház egész sorsa, a klasszikusok színrevitele általában és Shakespeare konkrétan. Néha jön a válasz, néha nem. Minden attól függ, milyen kérdéseket teszünk fel a múlttal kapcsolatban. A modern színház nem azért állítja színpadra Shakespeare-t, hogy megtudja, hogyan éltek az emberek a 16. században. És nem azért, hogy megpróbáljunk behatolni orosz világunkból a brit kultúra világába. Ez fontos, de másodlagos. A klasszikusokhoz fordulunk, Shakespeare-hez fordulunk, elsősorban önmagunk megértéséhez.

Rómeó és Júlia sorsa megerősíti ezt. Nem Shakespeare találta ki ennek a darabnak a cselekményét. Úgy tűnt, egyáltalán nem hajlandó történeteket kitalálni. Shakespeare drámái közül csak kettő létezik ismert forrás nélkül: a Szentivánéji álom és A vihar. És ez talán azért van, mert egyszerűen nem tudjuk, hogy milyen forrásokon alapultak.

A Rómeó és Júlia cselekménye nagyon-nagyon régóta ismert. Az ókornak megvolt a maga Rómeója és Júliája - Pyramus és Thisbe, akiknek történetét Ovidius írta le. Rómeó történetét Dante - Montague és Cappelletti is megemlíti, ahogy az Isteni színjátékban mondja. A késő középkor óta az olasz városok vitatkoznak arról, hogy hol játszódik Rómeó és Júlia története. A végén Verona nyer. Aztán Lope de Vega színdarabot ír Rómeó és Júliáról. Aztán az olasz regényírók egymás után mesélik el a történetet.

Angliában a Rómeó és Júlia cselekményét Shakespeare előtt is ismerték. Egy angol költő, Arthur Brooke verset írt Rómeusz és Júlia szerelméről. Vagyis Shakespeare darabját óriási történelem előzi meg. Épületét kész alapra építi. És ennek a darabnak különböző értelmezései lehetségesek, mert már az alapja is különböző lehetőségeket rejt magában ennek a történetnek a megértésére és értelmezésére.

Arthur Brooke titkos szerelmi története Rómeusz és Júlia között kilenc hónapig tart. Shakespeare-ben öt napba fér bele a tragédia cselekménye. Shakespeare számára fontos, hogy vasárnap délután kezdje el a darabot, és pontosan öt nappal később, péntek este fejezze be. Fontos számára, hogy Párizs és Júlia tervezett esküvője csütörtökön legyen. – Nem, szerdán – mondja Capulet atya. Különös dolog: hogyan kapcsolódnak a hét napjai és a nagy tragédia filozófiai elképzeléseihez? Shakespeare számára fontos, hogy ezek a filozófiai gondolatok nagyon sajátos, mindennapi körülményekhez kapcsolódjanak. Ez alatt az öt nap alatt a világirodalom legnagyobb szerelmi története bontakozik ki előttünk.

Nézze meg, hogyan lép be Rómeó és Júlia ebbe a történetbe, és hogyan hagyja el. Nézze meg, mi történik velük néhány nap múlva. Nézd ezt a lányt, aki éppen babákkal játszott. És nézze meg, hogy a sors tragikus körülményei hogyan változtatják őt erős, mély emberi lénnyé. Nézd ezt a fiút, a szentimentális tinédzser Rómeót. Hogyan változik a vége felé.

A darab egyik utolsó jelenetében van egy pillanat, amikor Rómeó Júlia kriptájába érkezik, és Párizs ott találkozik vele. Paris úgy dönt, hogy Rómeó azért jött, hogy megszentségtelenítse Júlia hamvait, és elállja az útját. Rómeó azt mondja neki: "Menj el, kedves fiatal!" A hangnem, amellyel Rómeó a nála valószínűleg idősebb Parishoz szól, egy bölcs és világfáradt ember hangja, egy megélt, a halál küszöbén álló ember hangja. Ez a történet egy ember szeretet általi átalakulásáról és a szerelemhez kapcsolódó tragédiáról szól.

A tragédia, mint tudjuk, az elkerülhetetlen birodalma, ez az elkerülhetetlen világa. Egy tragédiában azért halnak meg, mert muszáj, mert halált írnak elő annak, aki tragikus konfliktusba keveredik. Rómeó és Júlia halála azonban véletlen. Ha nem lett volna ez a hülye pestisjárvány, Lorenzo apjának küldötte odament volna Rómeóhoz, és elmagyarázta volna, hogy Júlia egyáltalán nem halt meg, hogy mindez Lorenzo nemes trükkje. Furcsa történet.

Néha ez azzal magyarázható, hogy a Rómeó és Júlia egy korai darab, hogy ez még nem egy teljes tragédia, hogy a Hamletig még hosszú az út. Talán ez így van. De más is lehetséges. Hogyan lehet megérteni a pestist Shakespeare tragédiájában? Mi van akkor, ha a pestis nem pusztán járvány, hanem a létezés tragikus teremtményének képe?

E történet mögött egy más szubtextus húzódik meg, amely lehetővé teszi az eltérő értelmezés lehetőségét. Franco Zeffirelli a híres film elkészítése előtt  "Rómeó és Júlia", 1968., színdarabot állított színpadra egy olasz színházban. Elhozták Moszkvába, és emlékszem, hogyan kezdődött. Zajos, színes, neorealista jelenettel kezdődött a piaci tömeg, szórakozás, futás, kereskedés, kiabálás. Olaszország, egyszóval. És hirtelen láttuk, hogy egy fekete ruhás férfi jelenik meg a színpad hátulján, és elkezdett haladni a tömegen keresztül felénk. Egy ponton a tömeg megdermed, és egy férfi tekercssel a kezében kerül az élre, és felolvassa a prológus szövegét. Ez a fekete ember a sors képe, a szerelmesek szenvedésének és halálának elkerülhetetlensége.

A két értelmezés közül melyik a helyes? És lehet-e helyes és helytelen értelmezésről beszélni? A lényeg az, hogy a Shakespeare-dráma sokféle, néha szinte egymást kizáró nézőpont lehetőségét tartalmazza. Ez a nagy művészet minősége. Ezt egyértelműen bizonyítja Rómeó és Júlia irodalmi és főleg színházi sorsa is.

Elég csak felidézni Anatolij Efrosz tragikus előadását, amely az egyik legmélyebb nézet ebben a darabban. Ebben a produkcióban Rómeó és Júlia nem búgó galambok voltak – erős, érett, mély emberek voltak, akik tudták, mi vár rájuk, ha megengedik maguknak, hogy szembenézzenek a színházi Veronában uralkodó nyájas hatalom világával. Félelem nélkül haladtak a halál felé. Olvasták már a Hamletet. Tudták, mi lett a vége. Nemcsak az érzés, hanem a világgal való szembenézés vágya és a halál elkerülhetetlensége is egyesítette őket. Komor előadás volt, amely nem hagyott sok reményt, és olyan előadás volt, amely Shakespeare szövegének lényegéből nőtt ki.

Talán maga Shakespeare is így írta volna meg a Rómeót és Júliát, ha ezt a darabot nem ifjúkorában, hanem a tragikus Hamlet idején írta volna.

Dekódolás

A „Hamlet” egy különleges színdarab Oroszország számára. Hamlet a tragédiában azt mondja, hogy a színház egy tükör, amelyben évszázadok, osztályok és nemzedékek tükröződnek vissza, és a színház célja, hogy a tükröt az emberiség elé tartsa. De a Hamlet maga egy tükör. Valaki azt mondta, hogy ez egy tükör az autópályán. És emberek, nemzedékek, nemzetek, osztályok mennek el mellette. És mindenki önmagát látja. Ez különösen igaz az orosz történelemre vonatkozóan. A Hamlet az a tükör, amelyben Oroszország mindig is arra törekedett, hogy lássa az arcát, igyekszik megérteni önmagát Hamleten keresztül.

Amikor Mochalov  Pavel Sztyepanovics Mocsalov(1800-1848) - a romantika korának színésze, a Moszkvai Maly Színházban szolgált. Hamletet játszotta 1837-ben, Belinsky írta híres szavait, miszerint Hamlet „te, ez vagyok én, ez mindannyian vagyunk”. Ez a kifejezés nem véletlen a darab orosz szemléletében. Majdnem 80 évvel később Blok ezt írta: „Hamlet vagyok. Kihűl a vér..." (1914). Az „Én vagyok a Hamlet” kifejezés nemcsak ennek a darabnak az orosz színházi színpadtörténetének hátterében áll, hanem ez a képlet az orosz történelem minden korszakában nélkülözhetetlen és érvényes. Aki az orosz spirituális kultúra, az orosz értelmiség történetét kutatja, annak meg kell találnia, hogyan értelmezték ezt a darabot a történelem különböző pillanataiban, hogyan értelmezték a Hamletet tragikus hullámvölgyeiben és borzalmas hullámvölgyeiben.

Amikor Stanislavski 1909-ben a Hamletet próbálta, felkészítette a színészeket Gordon Craig érkezésére.  Edward Gordon Craig(1872-1966) - a modernista korszak angol színésze, színházi és operaigazgatója., aki a darabot a Moszkvai Művészeti Színházban állította színpadra, azt mondta, hogy a Hamlet Krisztus hiposztázisa. Hamlet küldetése nemcsak a darabban, hanem a világban is Isten Fia lényéhez hasonlítható. Ez egyáltalán nem véletlenszerű asszociáció az orosz tudat számára. Emlékezzen Borisz Paszternak Zsivago doktor versére, amikor Hamlet Krisztus szavait adja a szájába a Getszemáni kertben:

„Ha csak lehetséges, Abba Atyám,
Vidd el ezt a poharat.
Imádom a makacs tervedet
És beleegyezem, hogy eljátsszam ezt a szerepet.
De most van egy másik dráma,
És ezúttal rúgj ki.
De a cselekvések sorrendje átgondolt,
És az út vége elkerülhetetlen.
Egyedül vagyok, minden a farizeusságba fullad.
Élni az életet nem olyan terep, amelyen át kell lépni.”

Nagyon érdekes megnézni, hogy az orosz történelem mely pillanataiban kerül előtérbe Hamlet. Melyik Shakespeare-darab mely pillanatokban válik a legjelentősebbnek, a legfontosabbnak. Volt, amikor a Hamlet a perifériára került, amikor Shakespeare más drámái lettek az első szám. Érdekes látni, hogy az orosz történelem mely pillanataiban válik Hamlet az orosz gyónás eszközévé. Így volt ez az ezüstkorban is. Így volt ez a forradalom utáni években, és mindenekelőtt a Hamletben, akit a 20. század talán legzseniálisabb színésze, Mihail Csehov alakított. Nagyszerű és mély színész, misztikus, akinek a Hamlet fő jelentése a szellemmel való kommunikáció, akaratának teljesítése volt.

Mellesleg, Pasternak Shakespeare tragédiáinak fordításáról szóló cikkében van egy kifejezés, hogy Hamlet „az akaratát teljesíti, aki küldte”. Mihail Csehov Hamletje teljesíteni ment az őt küldő szellem akaratát – aki ugyan nem jelent meg a színpadon, de akit az égből alászálló hatalmas függőleges sugár jelképezett. Hamlet belépett ebbe a tüzes oszlopba, ebbe a világító térbe, és kiszolgáltatta magát ennek, és nemcsak tudatába, hanem testének minden erébe is magába szívta ezt a mennyei ragyogást. Mihail Csehov egy olyan embert alakított, akit összetört a történelem nehéz lépése. Fájdalomkiáltás volt ez egy olyan személytől, akiben az orosz forradalmi és forradalom utáni valóság mechanizmusa átment. Csehov 1924-ben játszotta a Hamletet, majd 1928-ban emigrált. Csehov távozása teljesen elkerülhetetlen volt – nem volt dolga a győztes forradalom országában.

További sorsa drámai volt. 1955-ben halt meg, előtte Nyugaton élt: a balti államokban, Franciaországban, majd Amerikában. Színészkedett, volt rendező és tanár. De semmi olyat nem tett, ami megfelelt volna Oroszországban játszott szerepének. És ez volt az ő tragédiája. Ez volt Hamletének tragédiája.

A „Hamletet” 30 éve nem adták elő a moszkvai színpadon. (Kivéve Akimov Hamletjének különleges esetét a Vakhtangov Színházban  "Hamlet" Nyikolaj Akimov 1932-ben a Színházban. Vakhtangov.. Félparódia volt, a Hamletet istenítő hagyományos orosz nézet megtorlása.) A „Hamlet” kiközösítésének egyik oka az volt, hogy Sztálin nem bírta ezt a darabot. Ez érthető, mert az orosz értelmiség mindig is látta magában a Hamlet elemet.

Volt olyan eset, amikor a külön engedélyt kapott Nyemirovics-Danchenko a Hamletet próbálta az Art Theatre-ben (a darabot soha nem adták ki). Borisz Livanov színész pedig a Kreml egyik fogadásán odalépett Sztálinhoz, és azt mondta: „Sztálin elvtárs, most Shakespeare Hamlet című tragédiáját próbáljuk. Milyen tanácsot adna nekünk? Hogyan álljunk hozzá ennek a darabnak a színpadra állításához?” Sztálin válaszának több változata is létezik, de a legmegbízhatóbb ez. Sztálin leírhatatlan megvetéssel mondta: "Nos, ő gyenge." "Nem nem! - mondta Livanov. – Erősen játszunk vele!

Ezért, amikor Sztálin meghalt, 1953-ban több orosz színház azonnal e félig engedély nélküli darabhoz fordult. Ugyanebben az időben, 1954-ben a premierekre a Majakovszkij Színházban került sor, ahol a darabot Okhlopkov állította színpadra.  Nyikolaj Pavlovics Okhlopkov(1900-1967) - színházi és filmszínész, rendező, tanár. Tanítvány és a hagyományok folytatója Vs. Meyerhold. 1943-tól a Színház vezetője. Majakovszkij. Leningrádban a Puskin Színházban (Alexandrinsky), ahol Kozincev állította színpadra.  Grigorij Mihajlovics Kozincev(1905-1973) - film- és színházi rendező, forgatókönyvíró, tanár. A „Hamlet” (1964) című filmért Lenin-díjat kapott. még a filmje előtt.

A Hamlet története a háború utáni orosz színházban nagyon nagy téma, de egy dologról szeretnék beszélni. Arról a „Hamletről”, amely az én generációm „Hamletje” volt. Viszockij, Borovszkij, Ljubimov „Hamletje” volt  A „Hamletet” 1971-ben a Taganka Színházban állították színpadra. A darab rendezője Jurij Ljubimov, a művész és díszlettervező David Borovszkij, a Hamlet szerepét Vlagyimir Viszockij alakította.. Nem volt vészes idő, 1971, össze sem lehet hasonlítani a 30-as évek végével. De szégyenletes, gyalázatos időszak volt. Általános nemtörődömség, hallgatás, az a néhány szakadár, aki fel merte emelni a hangját, börtönbe került, tankok Csehszlovákiában stb.

Ilyen szégyenletes politikai és spirituális légkörben jelent meg ez az előadás Viszockijjal, és igazi orosz lázadást, valóságos robbanást tartalmazott. Hamlet volt, nagyon egyszerű, nagyon orosz és nagyon dühös. Hamlet volt az, aki megengedte magának, hogy lázadjon. Hamlet volt a lázadó. Dacolt a tragédia puszta erejével, amivel szembe kellett néznie. Nemcsak a politikai rendszer, hanem a szovjet zsarnokság is ellenezte – Vysotskyt mindez nem nagyon érdekelte. Olyan erőkkel került szembe, amelyeket lehetetlen volt legyőzni. Azok az erők, amelyeket a függöny híres képében jelképeztek  „Repülőmérnökök segítségével egy nagyon összetett szerkezet került a színpad fölé, aminek köszönhetően a függöny különböző irányokba tud mozogni, megváltoztatva a díszletet, felfedve egyes szereplőket, másokat bezárva, másokat lesöpörve a színpadról... Az ötlet A mozgó függöny lehetővé tette Lyubimovnak, hogy megtalálja a kulcsot az egész előadáshoz. Bárhol is volt Hamlet, a függöny mozgolódni kezdett és egy szigorú szabály szerint megállt: Viszockij mindig külön maradt, elkülönült másoktól” (a „Hamlet Tagankából. Az előadás huszadik évfordulóján” című cikkből a „Young Communard” című újságban , 1991)., amelyet a zseniális David Borovsky készítette. Egy hatalmas, szem nélküli szörnyeteg volt, amiből vagy földfal lett, vagy a halál képe, vagy egy hatalmas háló, amely belegabalyodott az emberekbe. Mozgó szörnyeteg volt, amely elől nem lehetett elbújni, nem lehetett elmenekülni előle. Óriási seprű volt, amely halálra söpörte az embereket.

Ebben az előadásban a halál két képe egyszerre létezett: a függöny, mint a tragédia transzperszonális elkerülhetetlen erőinek szimbóluma, és a sír a színpad szélén, a valódi, élő földről. Azt mondtam, "élve", de tévedtem. Holt föld volt, nem olyan, ahol bármi nő. Ez volt az a föld, ahol eltemették.

És a halál képei között Viszockij létezett. Hamlet, akinek hangja rekedtsége mintha abból fakadt volna, hogy valaki szívós kézzel fogja a torkát. Ez a Hamlet megpróbálta mérlegelni az előnyöket és hátrányokat, és ez óhatatlanul steril lelki zsákutcába juttatta, mert a józan ész szempontjából a felkelés értelmetlen és vereségre van ítélve. De ebben a Hamletben ott volt a szent gyűlölet, ha a gyűlölet szent lehet. Ebben a Hamletben ott volt a türelmetlenség joga. És ez az ember, ez a harcos, ez az értelmiségi és költő, hanyatt-homlok, minden kétséget elvetve, belerohant a harcba, a lázadásba, a felkelésbe, és meghalt, ahogy a katonák halnak meg, csendesen és nem hivalkodóan. Itt nem volt szükség Fortinbrasra, nem volt Hamlet holttestének szertartásos eltávolítása. Hamlet a színpad hátulján, hátát a falnak támasztva, csendesen lecsúszott a földre - ennyi a halál.

A fagyos teremnek, amelyben az én generációm emberei ültek, ez az előadás és ez a színész reményt adott. Reménykedni az ellenállás lehetőségében. Ez volt a Hamlet-kép, amely az én nemzedékem lelkének részévé vált, ami egyébként közvetlenül rokon volt Pasternak Hamlet-képével. Nem véletlen, hogy az előadás Viszockij dalával kezdődött, amely Pasternak ugyanilyen versei alapján készült a Doktor Zsivagotól. Érdekes, hogy Viszockij ebből a versből, amelyet szinte teljes egészében előadott, egy strófát dobott ki: „Szeretem a makacs tervedet, és beleegyezem, hogy eljátsszam ezt a szerepet...”. Ennek a Hamletnek nem tetszett a világterv. Ellenállt a világ mögött rejlő minden magasabb célnak. Nem vállalta, hogy eljátssza ezt a szerepet. Ez a Hamlet mind lázadás volt, lázadás, ellenállás. Rohanás volt az akarathoz, az akarathoz, a szabadság orosz megértéséhez, ahhoz, amiről Fedya Protasov beszélt a Tolsztojban.  Fedor Protasov- Lev Tolsztoj „Az élő holttest” című drámájának központi szereplője. cigány éneket hallgatni. Ez az előadás óriási szerepet játszott az életünkben. Ez a kép életünk végéig velünk maradt.

Van idő a Hamletnek, és van, amikor nem a Hamletnek. A nem Hamlet időkben nincs semmi szégyenletes. Végül is vannak más Shakespeare-darabok is. A hamleti idők különlegesek, és számomra úgy tűnik (talán tévedek), hogy a mi korunk nem a Hamleté, nem vonz minket ez a darab. Bár ha hirtelen előkerül egy fiatal rendező, és ennek a darabnak a színpadra állításával bebizonyítja, hogy méltóak vagyunk Hamlethez, én leszek az első, aki örül. 

Dekódolás

Ha megnézi a különböző időkből és különböző művészeti ágakból származó művészek legújabb alkotásait, találhat valamit, ami egyesíti őket. Van valami közös Szophoklész utolsó tragédiája, az Oidipusz Kolonusnál, Beethoven utolsó művei, Racine utolsó bibliai tragédiái, a néhai Tolsztoj vagy a néhai Dosztojevszkij és Shakespeare utolsó darabjai között.

Talán egy művész, aki elérte a határt, és rettenetesen tisztán néz szembe a halállal, mint a közeljövővel, azzal az ötlettel áll elő, hogy elhagyja a világot, reményt hagyva az embereknek, valami olyasmivel, amiért érdemes élni, bármilyen tragikusan reménytelen is az élet. Shakespeare utolsó művei talán késztetést jelentenek a katasztrofális kilátástalanság határaiból való kitörésre. Hamlet, Macbeth, Coriolanus, Athéni Timon után Shakespeare legsötétebb, legreménytelenebb tragédiája után a remény világába, a remény világába való betörési kísérlet, hogy megőrizze azt az emberek számára. Hiszen Shakespeare utolsó darabja, a „Cymbeline”, a „Pericles”, a „The Winter’s Tale” és mindenekelőtt a „The Tempest” annyira különbözik mindattól, amit eddig csinált. A nagy tragédiákhoz, amelyek a létezés tragikus lényegéről beszélnek.

A „The Tempest” egy színdarab, amelyet Shakespeare testamentumának, művének utolsó akkordjának neveznek. Shakespeare drámái közül talán ez a legzenésebb és a legharmonikusabb. Ez egy olyan darab, amelyet csak olyan ember tudott létrehozni, aki átment a tragédia, a kilátástalanság kísértésén. Ez az a remény, amely a kétségbeesés másik oldalán támad. Ez egyébként egy mondat Thomas Mann késői regényéből. Remény, amely tud a reménytelenségről – és mégis megpróbálja legyőzni. A „Vihar” egy tündérmese, egy filozófiai tündérmese. A varázsló Prospero tevékenykedik benne, a boszorkánykönyvek mágikus hatalmat adnak neki a sziget felett, fantasztikus karakterek veszik körül: a fény és a levegő szelleme Ariel, a föld szelleme Caliban, Prospero kedves lánya, Miranda stb.

De ez nem csak egy tündérmese, és nem is csak egy filozófiai mese - ez egy színdarab az emberiség kijavítására, a reménytelenül beteg világ művészet segítségével történő meggyógyítására tett kísérletről. Egyáltalán nem véletlen, hogy Prospero zenét szabadít fel ezen a korcsok és gazemberek tömegén, akik nagy gyógyító erőként kötnek ki a szigetre. De nem valószínű, hogy a zene meggyógyítja őket. Nem valószínű, hogy a művészet megválthatja a világot, ahogy a szépség sem. Prospero e különös, a színház számára nagyon nehéz darab fináléjában arra a gondolatra jut, amely a kései Shakespeare egészének alapja. Ez az irgalmasság általi üdvösség gondolata. Csak a megbocsátás képes ha nem is megváltoztatni, de legalább nem súlyosbítani a világban uralkodó gonoszságot. Ez az, amiből leegyszerűsítve a „The Tempest” jelentése következik. Prospero megbocsát ellenségeinek, akik majdnem elpusztították. Megbocsát, bár egyáltalán nem biztos abban, hogy megváltoztak, meggyógyultak. De a megbocsátás az utolsó dolog, amivel az ember rendelkezik, mielőtt elhagyja a világot.

Igen, természetesen a fináléban Prospero visszatér milánói trónjára szeretett lányával, Mirandával és annak szeretett Ferdinánddal. De a darab végén olyan furcsa szavakat mond, hogy valamiért mindig eltávolítják őket az orosz fordításokból. Az eredetiben Prospero azt mondja, hogy vissza fog térni, így minden harmadik gondolata sír lesz. Ennek a darabnak a vége egyáltalán nem olyan fényes, mint azt néha hiszik. Pedig ez a színdarab a búcsúról és a megbocsátásról szól. Ez egy búcsú és megbocsátó darab, mint Shakespeare összes utolsó darabja.

Nagyon nehéz a modern színház számára, és ritkán készítik modern rendezők. Bár a 20. század végén az európai színház szinte valamennyi nagy rendezője megfordul ehhez a darabhoz - Strehler, Brook állítja színpadra, Moszkvában Robert Sturua állítja színpadra az Et Cetera Színházban Alekszandr Kaljagin szerepében. Prospero. Nem véletlen, hogy Peter Greenaway ezt a darabot állította színpadra „The Books of Prospero” című csodálatos filmjében. Prospero szerepére Greenaway nem akárkit, hanem a legnagyobb angol színészt, John Gielgudot hív meg.  Sir Arthur John Gielgud(1904-2000) - angol színész, színházi rendező, Shakespeare-szerepek egyik legnagyobb előadója a színház történetében. Az összes jelentős előadói díj nyertese: Oscar, Grammy, Emmy, Tony, BAFTA és Golden Globe.. Már nem tud színészkedni, túl öreg és beteg ahhoz, hogy úgy alakítsa a szerepet, ahogyan a régi időkben játszotta nagy szerepeit. Greenaway filmjében pedig Gielgud nem játszik, hanem jelen van. Greenaway számára ez a színész a múlt nagy kultúrájának képe és szimbólumaként fontos, semmi több. Gielgud Prosperója Shakespeare Prosperója és maga Shakespeare, aki a „Vihart” írja, és az Úristen, ennek a gyönyörű, művészettel átitatott Univerzumnak az uralkodója. Átható, de túltelített.

Ahhoz, hogy megértsük Greenaway tettének értelmét, meg kell értenünk, hogy a film szinte minden képkockájának asszociációt kell keltenie a 16-17. századi reneszánsz vagy posztreneszánsz, barokk művészet valamely konkrét alkotásával. Szinte minden képkocka a 16. századi velencei festők nagyszerű alkotásaira vagy Michelangelo építészetére utal. Ez egy művészettel túltelített világ. Ez egy önmagával megterhelt kultúra, amely a vég után vágyik, a vég után, mint annak eredménye.

A film végén Prospero elégeti és vízbe fojtja varázskönyveit. Milyen könyvek ezek? Ezek az emberiség fő könyvei, köztük egyébként a „The First Folio” - Shakespeare műveinek első gyűjteménye, amelyet halála után, 1623-ban adtak ki. Látjuk, ahogy a fólió lassan az aljára süllyed. És furcsa dolog történik: a Greenaway filmjének végén az Univerzumot érő katasztrófa megkönnyebbülést, szabadulást és megtisztulást kelt. Úgy tűnik számomra, ez a jelentése ennek a filmnek, amely mélyen és mélyen behatol Shakespeare játékának szemantikai rétegeibe.

A vihar után Shakespeare szinte semmit sem ír. Csak Fletcherrel ír  John Fletcher(1579-1625) - angol drámaíró, aki meghatározta a "tragikomédia" fogalmát. nem a legjobb, utolsó krónikája „VIII. Henrik”. Fellépése közben egyébként kigyulladt a Globe - Shakespeare kedvenc agyszüleménye fél óra alatt porig égett. (Senki sem sérült meg, csak egy néző nadrágja gyulladt ki, de valaki ráöntött egy korsó sört, és eloltották.) Szerintem ez volt Shakespeare kulcsfontosságú búcsúeseménye. Az elmúlt négy évben Stratfordban él, és nem ír semmit.

Miért hallgat? Ez életének egyik fő titka. Művészetének egyik fő titka. Talán azért hallgat, mert mindent elmondott, amit el lehetett mondani, amit mondania kellett. Vagy talán azért hallgat, mert egyetlen Hamlet sem képes egy cseppet sem megváltoztatni a világot, megváltoztatni az embereket, jobb hellyé tenni a világot. A kétségbeesés és az az érzés, hogy a művészet értelmetlen és eredménytelen, nagyon gyakran éri a halál küszöbén álló nagy művészeket. Nem tudjuk, miért hallgat. Azt tudjuk, hogy Shakespeare az elmúlt négy évben egy magánpolgár életét élte Stratfordban, néhány hónappal halála előtt megírta végrendeletét, majd meghalt, valószínűleg szívrohamban. Amikor Lope de Vega Spanyolországban meghalt, az egész ország követte koporsóját – nemzeti temetés volt. Shakespeare halála szinte észrevétlen maradt. Sok év telt el, mire barátja és riválisa, Ben Jonson ezt írta: „Ő nem csak a mi korunkhoz tartozik, hanem minden korosztályhoz.” De ezt csak sok-sok-sok év után fedezték fel. Shakespeare igazi élete a 18. század második felében kezdődött, nem korábban. És folytatódik. 

Előző cikk: Mekkora a fénysebesség Következő cikk: Harmonikus rezgések Az oszcillációs frekvencia fizikai képlete